Das Hauptziel der Forschung dreht sich um eine einfache Frage: Wie können wir die Dinge anders machen? Unsere Prämisse ist es, die Genderverhältnisse grundlegend zu verändern und ein neues Universum von Begriffen, Bildern, Normen, Gesetzen und Empfindungen zu schaffen, welches idealerweise die Freude nicht nur von Frauen, sondern von allen zum Ausdruck bringt. Und wir glauben, dass die Kunst – und nicht Politikwissenschaft oder Anthropologie – das perfekte Feld bietet, diese andere «Wahrnehmung der Welt» zu beginnen und wir widmen uns der Erforschung der Bedingungen dieses neuen Gendervertrags. Wir müssen uns dies als das Jahr vorstellen, in dem wir uns mit vollem Einsatz in allen möglichen spekulativen Formen «üben». Forschung ist ein Versuch, eine Methode, um viele Bereiche zusammenzubringen, nicht nur Kunst, sondern auch Recht, Technologie, Sprache...

Jene Einstellungen zu untersuchen und aufzuzeigen, welche die Fragen der Gleichstellung umgeben, impliziert starkes Unbehagen bei Männern wie Frauen. Das Unbehagen, Privilegien zu verlieren und zu erkennen, wie viele Strukturen modifiziert werden müssen, um die neue Realität der Geschlechtervielfalt zu umfassen; Unbehagen, die enormen Aufgaben zu entdecken, die wir dabei noch zu bewältigen haben. Es gilt das Argument, dass Gleichheit definitiv nicht mit «gleich» sein übereinstimmt und ebenso wenig der Idee eines 50:50-Anteils entspricht. Gleichstellung tritt dann ein, wenn die Bedingungen und Vorzüge unserer Arbeit gleichwertig mit denen der männlichen Kollegen wahrgenommen werden. Es geht also nicht darum Zahlen zu garantieren, sondern um die Sicherung der Bedingungen, der Qualitäten, der Sprache und der Gesetze, sowie um eine entsprechende Anpassung der Strukturen. Und wir teilen diese Vorstellungen mit allen Individuen und sozialen Bewegungen, die für Gleichstellung kämpfen. Wir brauchen Quoten, aber wir brauchen auch eine viel tiefere und profundere Umwandlung unserer sozialen und kulturellen Organisationen, die nicht nur mit «gleichen» Zahlen erreicht werden kann. Wir brauchen ein Handbuch für Institutionen, wie man den Wandel praktisch und auf täglicher Ebene fördern kann. Wir brauchen die Zahlen Hand in Hand mit einer ganzen Reihe von Strategien, um das Verhalten der Systeme neu zu konditionieren. Wir müssen uns mit der Darstellung und Ausübung einer geradezu übertriebenen Anzahl von Massnahmen befassen, um Gleichstellung zu erreichen. Nur durch Übertreibung – in Sorgfalt, Rücksichtnahme und Aufmerksamkeit für die Bedürfnisse – können wir das individuelle und kollektive Verhalten sowie die Vorstellung von Macht und deren Steuerung durchdringen.

Wälder sind mit den menschlichen und nichtmenschlichen Lebensformen, die sie beherbergen, verflochten. Als solche sind sie oft umkämpfte, gefährdete und ausgebeutete Orte. Wälder werden seit Langem als Zufluchtsort in Zeiten von Krieg und Konflikten genutzt, sie werden aufgrund ihres Holzes und anderer Ressourcen ausgebeutet, und sie sind sowohl in der Vergangenheit als auch in der Gegenwart Orte indigenen Lebens, der Medizin, des Erbes und des Wissens. Die Dezimierung der Wälder durch multinationale Unternehmen, demokratische und autokratische Regierungen, kriegerische Kräfte und andere kann als Beispiel für eine gewaltsame Missachtung des Lebens in seiner Gesamtheit gesehen werden. Wo Wälder sterben, sterben auch Lebensformen und Epistemologien; wo sie leben, werden verschiedene Formen der Existenz, der Gemeinschaft, des Wissens und der Sprache weitergegeben. Bojana Piškur formuliert es folgendermassen: «A forest is not the sum of its tree-parts. It is more than that: an ecosystem based on complex, intertwined relationships among plants, animals, fungi, bacteria, and other organisms.»
 
Die Vielfalt des Waldes zu verstehen beinhaltet möglicherweise eine Ähnlichkeit zum aktuellen Verständnis unserer vielfältigen und genderspezifischen Identitäten sowie der zahlreichen Rollen und Funktionen künstlerischer Praktiken und kultureller Bedingungen ausserhalb der modernen und postmodernen Stadt. Die Vorstellung von neuen Formen der Zukunft und von neuen Ökologien, die zugleich gerechter, nachhaltiger und voller realer Möglichkeiten sind, lässt uns nach neuen Wäldern, neuen Waldkulturen, neuen poetischen, pragmatischen und technischen Sprachen suchen, um die Praxis dessen zu erweitern, was manchmal als Forstwirtschaft, manchmal als Waldwissen und manchmal als Kunst bezeichnet wird.
 
In diesem Sinne betont Genders of the Forests, was verschiedene Disziplinen schon lange festgestellt haben: dass pflanzliches Denken existiert und dass wichtige Konzepte von der gesamten lebendigen Welt getragen werden, nicht nur vom menschlichen Denken. Den Wald als eine Kraft bei der Transformation der Welt zu verstehen, ist ein politischer Akt, der die binären Konzepte, die wir gemeinhin von Natur und Kultur haben, verändert, aber auch die Vorstellungen, die wir von Technologie haben. Wenn westliche Kulturen glauben, dass Intentionalität der Kern der Entwicklung ist, so hat das pflanzliche Denken gezeigt, dass ein nicht-intentionales Bewusstsein existiert. Wie Michael Marder schreibt, läuft pflanzliches Denken auf Folgendes hinaus: «an essentialism-free way of thinking that is fluid, receptive, dispersed, non-oppositional, non-representational, immanent, and material-practical». Ein Wald, der denkt, weist darauf hin, dass Intelligenz immer lebendig ist und verkörpert wird, und dass die Codes, welche Maschinen beleben, aus dem Leben selbst hervorgehen. Keine technologische Entwicklung kann daher den Wald ignorieren. Die Forschung zu Wäldern von Künstler:innen und anderen Denker:innen bietet uns daher eine philosophische, ethische und ontologische Möglichkeit, uns eine lebenswertere Zukunft vorzustellen. Mit und für diesen Wandel leben zu lernen, ist das Ziel dieses Symposiums.
 

TAG I – 24. Mai 2023
Teil 1 
10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:15 Lesung von Quinn Latimer 
10:25 Jumana Emil Abboud 
11:00 Gayatri Kodikal
11:30 Mathilde Rosier
12:00 Mittagspause

Teil 2 
14:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
14:10 Yvonne Volkart und Felipe Castelblanco 
14:50 Franziska Lauber
15:20 Claire Pentecost
15:50 Pause
16:00 Pauline Julier
16:30 Ana Vaz (Online-Präsentation)
17:00 Zusammenfassung TAG I von Chus Martínez und Quinn Latimer
17:10 Ende TAG I

TAG II – 25. Mai 2023
Teil 3
10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:10 Lesung von Quinn Latimer 
10:20 Gauri Gill
10:50 Alexandra Navratil 
11:20 Lucia Pietroiusti und Filipa Ramos 
12:00 Mittagspause

Teil 4
14:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
14:10 Paula Baeza Pailamilla
14:40 Chiara Camoni
15:10 Pause
15:20 Monica Ursina Jäger
15:50 Pujita Guha
16:20 Zusammenfassung TAG II von Chus Martínez und Quinn Latimer 
17:00 Ende TAG II

Jumana Emil Abboud was born in Shefa-'Amr, Galilee. Her artistic practice constellates personal stories and collective mythologies, weaving folklore and contemporary tales to navigate themes of memory and dispossession. Employing drawing, video, performance, objects, and text, she surveys place and resilience amidst the topography of Palestine. She lives and works in Jerusalem and London.

Paula Baeza Pailamilla was born in Santiago. They received a degree in Pedagogy in Contemporary Dance and an MA in Art Theory and History at the Universidad de Chile. Their performances often consider their Mapuche identity, and their textile works are often made collectively, evoking issues of issues of gender, erasure, and displacement within their Indigenous community. Since 2016, they have been part of the Mapuche collective Rangiñtulewfü, which gave birth to the digital project Yene: Revista de arte, pensamiento y escrituras en Wallmapu y Abya Yala. In 2020, their work was featured in the 11th Berlin Biennale. They are currently based in Switzerland.

Chiara Camoni was born in Piacenza, Italy. The diversity of her practices—drawing, vegetal prints, video, sculpture, and ceramics—are often made in collaboration with friends and relatives, as informal and spontaneous groups or more institutional seminars and workshops, all interested in forms and ideas of shared authorship. The “Centro di Sperimentazione” has appeared at the artist’s side for a few years now as a container for the collective processes. She lives and works in Fabbiano in the Apuan Alps, Tuscany.

Felipe Castelblanco is a multidisciplinary artist and researcher who works at the intersection of participatory practices, the moving image, and new media art. His diverse work explores institutional formats and creates platforms for inter-epistemic dialogue. Recent exhibitions include the 2019 Quebec Biennial and the project Water Territories, at Helmhaus, Zurich. His PhD, from the MAKE/SENSE PhD Program at HGK Basel FHNW, examined avenues for biocultural peace-building through participatory art and media in the Colombian Pan-Amazon region. He lives and works in Basel.

Gauri Gill was born in Chandigarh, India. Her image-based practice addresses Indian identity markers of caste, class, and community, as well as ecological issues and Indigenous life. Her works include a two-decade-long engagement with marginalized communities in rural Rajasthan called Notes from the Desert (1999–), and Fields of Sight (2013–), a collaboration with Adivasi artist, Rajesh Vangad that combines her photographs with ancient Warli drawing. She has exhibited at the 58th Venice Biennale; documenta 14, Athens and Kassel; and the 2016 Kochi Biennale. She lives and works in Delhi.

Pujita Guha is an artist and curator. She completed her Masters and MPhil in Cinema Studies at Jawaharlal Nehru University, and is a PhD candidate at the University of California, Santa Barbara. Her research concerns the intersection of environment and media, primarily forest ecologies of South and Southeast Asia, with a focus on military and guerilla practices, anthropogenic urban forests, animism, and contemporary moving image art of the region. With Abhijan Toto, she runs The Forest Curriculum, a curatorial project focused on questions of pedagogy and environmental thinking in the forested belts of South and Southeast Asia.

Monica Ursina Jäger was born in Switzerland and received her MA at Goldsmiths College, London. Her multidisciplinary work examines notions of landscape in built environments and natural landscapes, rethinking ‘topography’ as a mental landscape rather than as a form of visual representation. Her research excavates histories of the social, political and sensorial conversations between natural and built elements, the rural and late-century modernist architectures. She is a researcher and lecturer at the Institute of Natural Resource Sciences at the ZHAW School of Life Sciences and Facility Management.

Pauline Julier was born in Geneva. An artist and filmmaker, she studied at the École Supérieure de la Photographie d’Arles and the SPEAP, Art and Politics Experimental programme, Sciences Po, Paris. In her works, she explores the links that humans create with their environments through stories, rituals, knowledge, and images. Her films and installations are composed of elements of diverse origin and form—documentary, theory, fiction—to restitute the complexity of our relationship to the world. Her films include Naturales Historiae (2019), which examines the history of nature and includes an interview with Bruno Latour. She lives and works in Geneva.

Gayatri Kodikal was born in Chennai, India. She is an artist, writer, educator, and game-maker known as gamedevi. Her game worlds and performances are informed by psycho-geography, cinema, oral storytelling, animism, and proto-feminisms. Recent works include Sinking into the Mangroves, a Zoom performance and game-world reading that tells the story of an encounter with the mangrove forest on the western coast of India during an expedition to record the sound of a rare species of crustaceans, which was performed at Forests as Imaginations, at the School of Environment and Architecture, in Mumbai. She lives and works in Rotterdam.

Quinn Latimer was born in Venice, California; she lives and works in Basel and Athens. A poet, critic, editor, and occasional curator, she is Head of the MA at Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW. Her books include Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017), Sarah Lucas: Describe This Distance (2013), Film as a Form of Writing (2013), and Rumored Animals (2012). She was editor-in-chief of publications for documenta 14, in Athens and Kassel. Recently, she curated the exhibition SIREN (some poetics), which explored technologies of myth and mouth, earth and alarm, gender and poetics, at Amant, New York. She is a PhD candidate in the MAKE/SENSE PhD Program at HGK Basel FHNW.

Franziska Lauber is a Swiss artist and researcher. She is a member of SARN (Swiss Artistic Research Network) and founder of the workgroup Sense of Forest–Sense of Place: On the possibility of perception as an artistic research method in the eco- and energetic system FOREST. Her installations and video works consider points of contact with nonhuman animals and reflect on concepts of landscape, forests, temporality, and landmarks. They also often emphasize the ephemeral, both transience and disappearance, which play out over the course of her exhibitions. She lives and works in Bern.

Chus Martínez was born in Spain and studied philosophy and art history in New York. A writer and curator, she is Head of Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW. She is curator of Ocean Space, in Venice, for TBA21 Academy, and curatorial director of der TANK, in Basel. Her books include Like This: Natural Intelligence As Seen By Art (2022), Corona Tales: Let Life Happen to You (2020), and Club Univers (2017). Previously, she was chief curator at El Museo del Barrio, New York (2012–2014), and Head of the department of artistic direction and a member of the core agent group for DOCUMENTA (13), in Kassel.

Alexandra Navratil was born in Zurich. She studied fine art at Central St. Martins College and Goldsmiths College, both in London. Her work often starts as scientific-historical research on the beginnings of photography, film, and industrial history. By combining and animating found visual material, Navratil’s works reflect on early modernism and its impact on imagery today, while her videos, installations, sculptures, and silkscreens follow material histories. She is a lecturer at Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW, and lives and works in Zurich and Amsterdam.

Claire Pentecost is an artist, activist, and writer who researches the living matters of the unified multi-dimensional being that animates the critical zone of our planet. Her work is driven by research and inspired by questions of form; her longstanding interest in nature and artificiality predicates her recent responses to anthropogenic climate change. Her projects often address the contested line between the natural and the artificial, focusing on food, agriculture, bio-engineering, and anthropogenic changes in the indivisible living entity that animates our planet. She is Professor in the Department of Photography at the School of the Art Institute of Chicago.

Lucia Pietroiusti was born in Rome. She is a curator working at the intersection of art, ecology, and systems. Founder of the General Ecology project at Serpentine, London, she is also the co-curator (with Filipa Ramos, since 2018) of The Shape of a Circle in the Mind of a Fish, an interdisciplinary festival, radio, and publication series on consciousness and intelligence across species also held at the Serpentine. Elsewhere, Pietroiusti was curator of Sun & Sea (Marina), by Rugile Barzdziukaite, Vaiva Grainyte, and Lina Lapelyte, for the Lithuanian Pavilion at the 58th International Venice Biennale. She lives and works in London.

Filipa Ramos was born in Lisbon. A writer, lecturer, and curator, she received a PhD from the School of Critical Studies at Kingston University, London. Her research focuses on how art addresses ecology, fostering relationships between nature and technology. Curator of Art Basel Film and a founding curator of Vdrome, the online artists’ cinema she co-founded in 2013, her recent projects also include The Shape of a Circle in the Mind of a Fish and Persons Persone Personen, the 8th Biennale Gherdëina (2022), both curated with Lucia Pietroiusti. She is a lecturer at Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW, and lives and works in Lisbon and Normandy.

Mathilde Rosier was born in Paris. Her moving, multidisciplinary work emerges from her interest in the physical and psychological experience of ancient rites and rituals, manifesting in constellations of self-made costumes and mystic and hybridized representations of animals, humans, and nature. Through an admixture of painting, film, dance and theatre, she reflects on the need to reintegrate human activity with the “natural environment,” including pre-industrial practices, observing the world from the vantage of the present-day countryside. She is a lecturer at Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW, and she lives and works in Burgundy.

Ana Vaz was born in the Brazilian highlands inhabited by the ghosts buried by its modernist capital: Brasília. Originally from the cerrado and a wonderer by choice, she has lived in the arid lands of central Brazil and southern Australia, in the mangroves of northern France and in the northeastern shores of the Atlantic. Her filmography questions cinema as an art of the (in)visible and an instrument capable of dehumanizing the human, expanding its connections to forms of life other than human or spectral. Her activities are also embodied in writing, critical pedagogy, installations, and collective walks.

Yvonne Volkart is head of research at Institute Art Gender Nature, HGK Basel FHNW. From 2017 to 2021 she headed the research project Ecodata–Ecomedia–Ecoaesthetics, for which she completed the monograph Technologies of Care: From Sensing Technologies to an Aesthetics of Attention (Diaphanes, 2022). Until 2025 she will direct the SNSF research project Plants_Intelligence: Learning like a Plant. In collaboration with Sabine Himmelsbach and Karin Ohlenschläger she curated the exhibition and book project Eco-Visionaries: Art, Architecture and New Media After the Anthropocene (Hatje Cantz, 2018). She lives and works in Basel and Zurich.

Es gibt unzählige Gründe, warum das Erzählen von Geschichten über Identität und ihre vielen Avatare wieder verstärkt theoretisch behandelt wird. Denken wir nur an die Autofiktionen, die sowohl die zeitgenössische Literatur als auch die bewegten Bilder beherrschen, oder an die digitalen Technologien, die uns jeden Tag dazu bringen, uns selbst darzustellen, indem wir uns für ein bestimmtes Publikum aufschreiben – alles aus wirtschaftlichen Gründen; denken wir, viel früher, an die Erfindung des Buchdrucks und all seine Ökonomien. Jede dieser Technologien und ihre spezifischen narrativen Möglichkeiten haben explizit oder paradoxerweise bestimmte Fiktionen des Selbst gefördert, in denen wir über die eigene radikale Subjektivität in einer kollektiven Welt nachdenken können, in der Raum für echten Widerstand, Experimente, Kollektivität und Nicht-Normativität selten ist. Vielleicht ist das Geschichtenerzählen auch deshalb als wichtige Form und Geste wieder aufgetaucht, weil es sich der endlosen zeitgenössischen Performance des einsamen Selbst widersetzt und den Protagonist:innen stattdessen in einer gemeinschaftlichen Welt älterer Verstrickungen verortet, die zugleich sozial, politisch und ökologisch sind. Schliesslich impliziert das Geschichtenerzählen immer ein Publikum, Empfänger:innen, die durch das Zuhören zulassen, dass die Geschichte durch ihre Rezeption und Erinnerung umgeschrieben wird.

Wenn das Erzählen von Geschichten ein Akt der Verbindung durch die Materialität der Stimme – ihres Charakters, ihres Ausdrucks – ist, kann dieser Ausdruck manchmal zu einer antikolonialen Kraft werden. Es ist eine, die das gemeinsame Gefühl des Kollektivs betont und gegen die vom Kapital und seinen rassisch-patriarchalischen Ordnungen auferlegte systemische Isolation wirkt. Dieser Stimme zuzuhören ist ein aktiver Akt des Mitdenkens und der Neugestaltung der Welt mit den Erzählenden. In diesem Symposium des Institut Kunst Gender Natur möchten wir die politische und gnosiologische Bedeutung der Produktion von Geschichten und mythologischen Narratologien betonen. Auf diese Weise könnten wir die nördlichen Wege der Kodifizierung von Gender überwinden – ebenso wie die vielen Hierarchien, mit denen es sich überschneidet, und die Unterdrückung und Marginalisierung, die es unterstützen soll. Gleichheit und Gleichberechtigung hängen von der Gesetzgebung ab, ja, aber in Rechtssystemen, die auf einer so weitreichenden Entrechtung beruhen, muss eine gerechtere Gesellschaft auch in der Lage sein, durch die Sprache – die so oft patriarchalisch und einschränkend ist – an die Vergangenheit anzuknüpfen, mit einem Auge und Ohr für eine nicht-binäre Zukunft. So vieles hängt von der Sprache ab. Es hängt so viel davon ab, dass wir in der Lage sind, nicht-hegemoniale Welten zu erzählen, in denen wir uns zurechtfinden, uns identifizieren und das Verlangen wecken können, das zu einer notwendigen Veränderung der Art und Weise führen könnte, wie wir zusammenleben und wie wir diese Geschichte (ja) erzählen.

Songs to Sound Worlds, Stories to Rewrite Them: On Gender, Storytelling, and Myth ist eine Fortsetzung unserer Serie von halbjährlichen Master-Symposien am Institut Kunst Gender Natur, die 2018 mit Promise No Promises! ihren Anfang nahm. Das letzte Symposium Ages of Receivership: On Generous Listening fand im Frühling 2022 statt. In jedem Symposium werden zeitgenössische künstlerische Praktiken im Kontext von jeweils aktuell relevanten Fragestellungen von politischer, theoretischer, ökologischer, emotionaler, linguistischer oder anderer Natur untersucht und diskutiert.

JUMANA EMIL ABBOUD wurde in Shefa-'Amr, Galiläa, geboren. Ihre künstlerische Praxis verbindet persönliche Geschichten und kollektive Mythologien, verwebt Folklore und zeitgenössische Erzählungen, um Themen wie Erinnerung und Enteignung zu behandeln. Mittels Zeichnung, Video, Performance, Objekten und Text untersucht sie Ort und Widerstandsfähigkeit der Topografie von Palästina. Sie lebt und arbeitet in Jerusalem und London.

BANI ABIDI wurde in Karachi, Pakistan, geboren. Sie studierte Malerei und Druckgrafik am National College of Arts in Lahore und besuchte später die School of the Art Institute of Chicago. In ihren Arbeiten setzt sie sich unter anderem mit Formen des Nationalismus inmitten des indisch-pakistanischen Konflikts und dem gewalttätigen Erbe der Teilung auseinander.

BASEL ABBAS und RUANNE ABOU-RAHME untersuchen die politischen, viszeralen und materiellen Möglichkeiten von Klang, Bild, Text und Ort. Ihre Arbeiten, die von Multimedia-Installationen bis hin zu Live-Sound/Bild-Performances reichen, erforschen die Grenzen von Realität und Projektion, Fiktion, Mythos und Begehren. Abbas wurde 1983 in Nikosia, Zypern, geboren. Abou-Rahme wurde 1983 in Boston geboren. Sie leben und arbeiten in New York City und Ramallah.

CHRISTIAN CAMPBELL ist ein Poet, Essayist und Kulturkritiker aus Trinidad und Bahamas, der als Rhodes Scholar in Oxford studierte und an der Duke University promovierte. Er ist der Autor des Buches Running the Dusk (2010), das mit dem Aldeburgh First Collection Prize ausgezeichnet wurde. 2015 wurde Running the Dusk ins Spanische übersetzt und in Kuba unter dem Titel Correr el Crepúsculo veröffentlicht. Er lebt und arbeitet in New York City, und derzeit in Basel.

ASTRIT ISMAILI wurde im Kosovo geboren und lebt in Amsterdam. Ismailis künstlerische Praxis zeigt Körper, die sowohl aus imaginären als auch aus materiellen Realitäten bestehen, wobei Alter Egos, Körpererweiterungen und tragbare Musikinstrumente dazu dienen, Möglichkeiten des Werdens zu verkörpern. Im Akt des Singens untersucht Astrit Ismaili die Rolle der Stimme in der Popkultur und Identitätspolitik und fragt, was es bedeutet, Körperpolitik hörbar zu machen.

SAODAT ISMAILOVA wurde in Usbekistan geboren. In ihren filmischen Arbeiten, in denen fiktionale und dokumentarische Praktiken, Mythen und das Reale miteinander verschmelzen, schöpft Ismailova aus der spezifischen kulturellen Identität und Geschichte Zentralasiens, oft durch altes Wissen und epische Folklore-Geschichten mit Frauen als Protagonistinnen, um ein breiteres Verständnis des Menschseins zu enthüllen.

ACAYE KERUNEN ist Künstlerin, Performerin, Geschichtenerzählerin, Autorin und Aktivistin, die in Kampala, Uganda, lebt. Sie schloss ihr Studium in Mass Communication an der Islamic University in Uganda, Mbale, mit einem mit einem BSc ab. Ihre installativen Arbeiten, die  Sticken, Anhängen, Knüpfen und Weben beinhalten, entstehen oft in Zusammenarbeit mit lokalen Kunsthandwerker:innen, wobei die Grenze zwischen bildender Kunst und Kunsthandwerk hinterfragt und Methoden der Performance, Zusammenarbeit, Sozialarbeit und des Umweltbewusstseins ins Zentrum gestellt werden.

QUINN LATIMER wurde in Venice, Kalifornien, geboren und lebt und arbeitet in Basel und Athen. Sie ist Poetin, Kritikerin, Herausgeberin, Performerin und manchmal Kuratorin sowie Leiterin des MA am Institut Kunst Gender Natur. Zu ihren Publikationen zählen Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017) und Rumored Animals (2012). Sie war Chefredakteurin der Publikationen der documenta 14 und kuratierte kürzlich die Ausstellung SIREN (some poetics) bei Amant in New York, die Technologien von Mythos und Mund, Erde und Alarm nachgeht.

TESSA MARS wurde in Port-au-Prince, Haiti, geboren. In ihrer Malerei- und Performancepraxis schlägt sie das Erzählen von Geschichten und die Herstellung von Bildern als transformative Strategien für Überleben, Widerstand und Heilung vor. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht Tessalines, ihr hybrides Alter Ego, das auf dem haitianischen Revolutionsführer Jean-Jacques Dessalines basiert; durch Tessalines untersucht Mars Gender, Geschichte, Tradition und Erzählung. Mars ist Stipendiatin an der Rijksakademie in Amsterdam.

CHUS MARTÍNEZ wurde in Spanien geboren und studierte Philosophie und Kunstgeschichte in New York. Sie ist Autorin und Kuratorin und leitet das Institut Kunst Gender Natur der Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW in Basel. Sie ist Kuratorin des Ocean Space in Venedig für die TBA21–Academy und kuratorische Leiterin des TANK in Basel. Zu ihren Publikationen zählen Like This: Natural Intelligence As Seen By Art (2022), Corona Tales: Let Life Happen to You (2020) und Club Univers (2017).

MARIE HÉLÈNE PEREIRA wurde in Senegal geboren. Sie ist Director of Programs des RAW Material Company–Centre for Art, Knowledge and Society in Dakar. Ihre kuratorischen Projekte befassen sich häufig mit Identitätspolitik und Migrationsgeschichten, dazu zählen Scattered Seeds in Cali, Kolumbien, sowie Canine Wisdom for the Barking Dog/The Dog Done Gone Deaf: Exploring The Sonic Cosmologies of Halim El-Dabh an der Dakar Biennale of Contemporary African Art von 2018.

SHEELASHA RAJBHANDARI und HIT MAN GURUNG sind nepalesische Künstler:innen und Kurator:innen und leben in Kathmandu. Rajbhandari wurde in Kathmandu geboren und untersucht in ihrer Arbeit die Geschichte und geopolitische Positionierung Nepals durch traditionelle Folklore, mündliche Überlieferungen, Mythologie, Performance und Rituale. Gurung wurde in Nepal geboren. Seine Arbeit befasst sich mit der Massenmigration nepalesischer Arbeiter:innen, urbane Entwicklung und den Hinterlassenschaften des nepalesischen Bürgerkriegs und seiner maoistischen Aufstände.

TRACEY ROSE wurde in Durban, Südafrika, geboren. Ihre performative Praxis wird oft in Fotografie, Video, Installation und Digitaldrucke übersetzt und begleitet. In ihren ebenso anarchischen wie karnevalesken Arbeiten setzt sich Rose mit Themen wie Postkolonialität, Gender und Sexualität, Race und Repatriierung auseinander. 2004 besuchte Rose die South African School of Motion Picture Medium and Live Performance und schloss 2007 mit einem Master of Fine Arts am Goldsmiths College, University of London ab. Sie lebt und arbeitet in Johannesburg.

KARA SPRINGER ist eine Künstlerin jamaikanischer und barbadischer Herkunft, die in Bridgetown, Barbados, geboren wurde und in Südontario, Kanada, aufwuchs. Ihre Arbeit befasst sich mit Pflege und Armatur – der darunter liegenden Struktur, die das Fleisch eines Körpers an seinem Platz hält. Sie arbeitet mit Fotografie, Skulptur und ortsspezifischen Interventionen und untersucht Formen der strukturellen Unterstützung in städtischer Infrastruktur und in institutionellen und politischen Machtsysteme. Derzeit ist sie Stipendiatin des Atelier Mondial in Basel.

FRANÇOISE VERGÈS wurde in Paris geboren und wuchs in La Réunion und Algerien auf. Sie ist Schriftstellerin, Denkerin, Aktivistin und öffentliche Pädagogin und hat an der University of California, Berkeley, in Political Science promoviert. Sie ist Autorin zahlreicher Publikationen, darunter A Decolonial Feminism und Wombs of Women, und schreibt über postkoloniale Theorie, Kreolisierung, Psychoanalyse, Sklaverei und Ökonomien des Raubes. Sie hat Filme über Aimé Césaire und Maryse Condé gedreht und Ausstellungen über das Erbe von Sklaverei und Gender im Louvre in Paris organisiert.

Ages of Receivership: On Generous Listening ist eine Fortsetzung unserer Serie von halbjährlichen Master-Symposien am Institut Kunst Gender Natur, die 2018 mit Promise No Promises! ihren Anfang nahm. Das letzte Symposium Seeing Into the Heart of Things: Earth and Equality Within Indigenous and Ancestral Knowledges fand im Herbst 2021 statt. In jedem Symposium werden zeitgenössische künstlerische Praktiken im Kontext von jeweils aktuell relevanten Fragestellungen von politischer, theoretischer, ökologischer, emotionaler, linguistischer oder anderer Natur untersucht und diskutiert. Das in Zusammenarbeit mit der Vuslat Foundation realisierte Symposium Ages of Receivership: On Generous Listening setzt diese Auseinandersetzung durch die Methode des Zuhörens fort, also über einen offenen und durchlässigen Zugang zur Welt und ihren menschlichen und nicht-menschlichen Bewohner*innen. Die Vuslat Foundation wurde 2020 mit dem Ziel gegründet, ein Bewusstsein für das grosszügige Zuhören – das Hören jenseits von Worten – zu schaffen, das als ein wesentliches Element all unserer Verbindungen und Konstellationen verstanden wird. In diesem Sinne laden wir unsere Studierenden sowie eine breite Öffentlichkeit ein, ihre Ohren und ihre Empfangsbereitschaft im Rahmen dieser besonderen Zusammenkunft in Basel einzubringen. Wir hoffen, dass alle zuhören werden!

TAG I – 16. März 2022
On site und online → Livestream

Teil 1
10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:15 Lesung von Quinn Latimer
10:30 The Labour of Listening in Troubled Times, Vortrag: Kate Lacey
11:15 Never Dreamed You’d Leave in Summer, Lecture-Performance: Nina Emge
12:00 Mittagspause

Teil 2
14:00 Father Fugue, Artist Talk über Praktiken des Zuhörens: Nour Mobarak
14:45 Preemptive Listening, Screening und Vortrag: Aura Satz
15:30 Hommage, Screening und Artist Talk: Hannah Weinberger
16:15 Score for Bellapais Abbey, Online-Performance: Jazmina Figueroa
16:45 Heare, performatives Gespräch (Zoom): Caroline Bergvall
17:15 Panel-Gespräch mit allen Beteiligten
17:30 Ende TAG I

TAG II – 17. März 2022
On site und online → Livestream

Teil 3
10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:15 Lesung von Quinn Latimer
10:30 The Phantasmic, Phobic Body That We Share, Performance und Gespräch: Bill Dietz
11:15 Listening to Mirror Sound Sources: or Another Way to Encounter Bodies, Spaces and Other Things, Lecture-Performance: Li Tavor & Nicolas Buzzi
12:00 Mittagspause

Teil 4
14:00 A l’ombre de nos fantômes, Screening und Q&A (Zoom): Ayesha Hameed
14:30 Artist Talk: Stas Sharifullin
15:00 Hungry Listening, Gespräch: Dylan Robinson und Quinn Latimer
15:30 On Listening…, Vortrag: Virna Gülzari
16:00 What Can an Artistic Practice Teach Us about Generous Listening?, Gespräch und Q&A: Merve Yeşilada Çağlar
16:30 Panel-Gespräch mit allen Beteiligten
17:00 Ende TAG II

CAROLINE BERGVALL ist eine Künstlerin, Schriftstellerin und Performerin, deren interdisziplinäre Kunst- und Schreibpraxis zeitgenössische Methoden, multilinguale Identitäten und Historien adaptiert. Ihr poetisches Schaffen wurde vielerorts veröffentlicht und in mehrere Sprachen übersetzt. Ihre Performances und Installationen wurden unter anderem in der Tate Modern in London, im Centre Pompidou, Paris, an der documenta 14, Athen und Kassel sowie am Berlin Poetry Festivals gezeigt. Zu ihren Büchern zählen Alisoun Sings (2019), Drift (2014) und Meddle English (2011). In Kürze erscheinen Caroline Bergvall’s Medievalist Poetics (gemeinsam herausgegeben mit Josh Davies) und Writing at the Crossroads: Essays 1996–2016. Kürzlich hat sie das Online-Projekt Solitary to Solidary Arts Lab gegründet, das dem Austausch und dem Training von kollaborativen und erweiterten Schreibpraxen dient. Sie ist Visiting Professor am Kings College in London und Kelly Writers House Fellow an der University of Pennsylvania in Philadelphia.

MERVE YEŞILADA ÇAĞLAR ist Leiterin der Vuslat Foundation, die dem Zweck gewidmet ist, ein Bewusstsein für das grosszügige Zuhören – das Hören jenseits von Worten – zu schaffen und diese Fertigkeit zu vermitteln. Zuvor war sie Partnerin bei der Galeri Nev Istanbul, einer der aktivsten kommerziellen Kunsträume in der Türkei. Sie entwickelte das Programm und die Strategie der Galerie und vergrösserte deren internationale Reichweite. Zugleich war sie als Beraterin für verschiedene Institutionen und private Sammlungen tätig. Von 2011 bis 2018 war sie Direktorin der SAHA Association, einer privaten philanthropischen Unterstützungsvereinigung. Von 2007 bis 2011 war sie Leiterin von Galerist, der ersten kommerziellen Galerie der Türkei mit internationaler Reputation. Dabei leitete sie deren Ausstellungs- und Messeprogramm und initiierte die erste monatlich erscheinende Inhouse-Publikation Galerist Newspaper. Davor koordinierte sie die Designausstellung Block (2007), in deren Rahmen türkische Marmorressourcen, Produzent*innen und Handwerker*innen mit internationalen Designer*innen vernetzt wurden. Sie hat einen BA-Abschluss in Kommunikation und Design der Bilkent Universität in Ankara.

BILL DIETZ, geboren in Arizona, arbeitet als Komponist und Schriftsteller. Seit 2012 ist er Co-Vorsitzender des Music/Sound Department der Milton Avery Graduate School of the Arts des Bard College in New York. Seine Arbeiten werden regelmässig auf Festivals und in Museen gezeigt sowie in wissenschaftlichen und anderen Zeitschriften veröffentlicht. Darüber hinaus präsentiert er sie in Wohnhäusern und im öffentlichen Raum. 2013 hat er gemeinsam mit Woody Sullender das Magazin Ear│Wave│Event gegründet. Er hat zwei Bücher mit Partituren veröffentlicht: eines über seine Reihe Tutorial Diversions, die zuhause aufgeführt werden soll (Eight Tutorial Diversions, 2009–2014, 2015), und ein weiteres, das «concert pieces» enthält, die auf historischen und zeitgenössischen Verhaltensweisen des Publikums basieren (L’école de la claque, 2017). Gemeinsam mit Amy Cimini hat er Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020) herausgegeben und er ist neben Kerstin Stakemeier Co-Autor von Universal Receptivity (2021).

NINA EMGE ist eine Künstlerin, deren Praxis auf die Auseinandersetzung mit Sound fokussiert. Mit ihrer Arbeit erkundet sie Hörmethoden, Werkzeuge des persönlichen Ausdrucks sowie Räume, in denen die Fülle und Komplexität der Stille erfahrbar wird. Dies zeigt sich in ihrer Forschungs- und Archivarbeit, ihren Installationen, Zeichnungen sowie ihren oftmals kollaborativen Arbeits- und Schaffensprozessen evident. Ihre Arbeiten wurden unter anderem bei Les Complices*, Zürich, in der Kunsthalle Zürich, in den Uferhallen Berlin, im Istituto Svizzero, Rom und in der Halle für Kunst Lüneburg gezeigt.

JAZMINA FIGUEROA ist Autorin und lebt in Berlin. Sie schreibt in erster Linie über zutiefst persönliche und ihrem Grundsatz nach nicht-skalierbare Erfahrungen mit Technologien. Ihre Veröffentlichungen umfassen On Expanded Spectatorship (March Journal, 2021), Infinite Whole (Montez Press, 2020) sowie die Texte The Double Helix and Indigeneity in der Ausstellungspublikation 0,1% (Navel, 2019) und Methods of Representation für das Buch Authenticity?: Observations and Artistic Strategies in the Post-Digital Age (valiz, 2017). Ihre aktuelle Arbeit Call Signs (2021) handelt es sich um eine Performance-Lecture für virtuelle Welten, ausgestellt und digital archiviert von fantastischen Konfabulationen. Aktuell ist sie Fellow an der Akademie Schloss Solitude, zuvor war sie Beyond Matter Artist-in-Residence am Zentrum für Kunst und Medien (ZKM).

VIRNA GÜLZARI, M.A. arbeitet seit 25 Jahren als klinische Psychologin mit Kindern, Jugendlichen und Erwachsenen. Sie war am Boğaziçi University Center for Psychological Research and Application sowie bei der dortigen neuropsychologischen Diagnostik tätig. In diesem Rahmen hat sie Gutachten über Kinder mit Lern- und Aufmerksamkeitsdefiziten erstellt. Seit 2011 betreibt sie ihre eigene private Klinik für Psychotherapie und betreut als Freiwillige im Bahçelievler Children’s Home sowie für das türkische Rote Kreuz Mütter und Kinder aus Syrien. Seit zwei Jahrzehnten arbeitet sie mit Psychotherapeut*innen, die die Kunst- und Tanztherapie sowie das Authentic Movement als emotionale Bewältigungsstrategie auf sich selbst anwenden. Von 2010 bis 2021 war sie Vizepräsidentin der Turkish Infant Mental Health Association und sie ist ein Mitglied der Turkish Psychological Association. Sie ist Mitglied des Beirats der Vuslat Foundation.

AYESHA HAMEED lebt in London. Mit ihren Arbeiten erkundet sie die Vermächtnisse von Identureship und Sklaverei, indem sie ihren Blick auf den Atlantik und den Indischen Ozean richtet. Im Rahmen ihres afrofuturistischen Zugangs kombiniert sie Performances, Soundessays, Videos und Lectures. Hameed nimmt die mnemonische Kraft dieser Medien in den Blick – deren Fähigkeit, den Körper mit einem Gedächtnis auszustatten. Ihre gegenwärtigen Motive Wasser, Grenzen und Verdrängung ermöglichen eine Reflexion migrantischer Geschichten und Materialitäten sowie der Beziehungen zwischen menschlichen Wesen und dessen, was sie sich unter «Natur» vorstellen. Zuletzt waren ihre Arbeiten unter anderem bei den Biennalen in Liverpool (2021), Gothenburg (2019/21), Lubumbashi (2019) und Dakar (2018) zu sehen. Sie ist Mitherausgeberin des Sammelbandes Futures and Fictions (2017) und Co-Autorin von Visual Cultures as Time Travel (2021). Aktuell ist sie als Senior Lecturer für Visual Cultures an der Goldsmiths University in London tätig.

KATE LACEY ist Professorin für Mediengeschichte und -theorie an der University of Sussex. Zu ihren Publikationen zählt Feminine Frequencies: Gender, German Radio and the Public Sphere, 1923 to 1945 (1996), ein Buch, in dem es um die konstitutive Rolle des Gender im Rahmen der Entwicklung des Rundfunks geht sowie um die Rolle der Medien in Zeiten des politischen Wandels und der Krise. Dabei entfaltet Lacey eine historisch grundierte Kritik der Theorie der Öffentlichkeit. In Listening Publics: The Politics and Experience of Listening in the Media Age (2013) fokussiert sie auf die Idee vom Zuhören als kulturelle Praxis, als Kategorie von Kritik und als Form politischen Handelns. Sie war ein Gründungsmitglied des Radio Studies Network und ist Teil der Editorial Boards von The Radio Journal und International Journal of Cultural Studies.

QUINN LATIMER ist eine in Kalifornien geborene Dichterin, Kritikerin und Herausgeberin, die sich in ihrer Arbeit häufig mit feministischen Ökonomien des Schreibens und Lesens sowie der Produktion von bewegten Bildern auseinandersetzt. Zu ihren Büchern zählen unter anderem Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017), Sarah Lucas: Describe This Distance (2013), Film as a Form of Writing: Quinn Latimer Talks to Akram Zaatari (2013) und Rumored Animals (2012). Ihre Texte werden unter anderem in Artforum, The Paris Review und Texte zur Kunstpubliziert. Sie war Chefredakteurin für die Publikationen der documenta 14 in Athen und Kassel. Zuletzt hat sie gemeinsam mit Kateryna Botanova Amazonia: Anthology as Cosmology (2021) herausgegeben. Aktuell kuratiert sie die Ausstellung SIREN (some poetics), die im September 2022 in der Ammann Foundation in New York eröffnet. Sie die Leiterin des Master-Studiengangs des Institut Kunst Gender Natur HGK FHNW in Basel.

CHUS MARTÍNEZ ist die Leiterin des Institut Kunst Gender Natur HGK FHNW in Basel. Sie war Expeditionsleiterin von The Current, einem von der TBA21–Academy initiierten Projekt (2018–2020), und ist von 2021 bis 2022 die künstlerische Leiterin des Ocean Space der TBA21–Academy in Venedig. Sie hat kürzlich die Publikation The Wild Book of Inventions (2020) veröffentlicht und zusammen mit Julieta Aranda und Markus Reymann das e-Flux Journal #112 (Oktober 2020) herausgegeben. Sie ist die Autorin des Erzählbandes Corona Tales: Let Life Happen to You (2020).

NOUR MOBARAK wurde in Kairo geboren, sie lebt und arbeitet in Los Angeles. Ihre visuellen und auditiven Arbeiten wurden im Rahmen zahlreicher Ausstellungen, unter anderem in der Miguel Abreu Gallery in New York, im KIM? Contemporary Art Centre Riga, im Hakuna Matata Sculpture Garden Los Angeles, im Museum of Contemporary Art San Diego und in der Rodeo Gallery London gezeigt. Ihre Performances fanden unter anderem am Hammer Museum und in LAXART statt, beide Los Angeles, sowie an der Cambridge University und sie wurde 2021 zum Field Workshop : Artist in Residence Programm des ICA in Los Angeles eingeladen. Ihre Musik hat Mobarak bei Recital, Cafe Otos TakuRoku und Ultra Eczema herausgebracht und sie wurde in die Special Collection der Whitney Museum Library aufgenommen. Ihre Gedichte und anderen Schriften wurden in Triple Canopy, F.R. David und in der Salzburg Review publiziert. Ihr erstes Buch Sphere Studies and Subterranean Bounce wurde 2021 bei Recital veröffentlicht.

DYLAN ROBINSON ist ein Künstler, Kurator und Schriftsteller der xwélmexw (Stó:lō/Skwah) sowie ein Canada Research Chair in Indigenous Arts an der Queen’s University. 2022 wird er als Associate Professor an die School of Music der University of British Columbia berufen. Dr. Robinsons Arbeit umfasst die Bereiche Indigene Sound-Studies und Kunst im öffentlichen Raum und nimmt unterschiedliche Formen an – unter anderem die von Texten (von Partituren für Veranstaltungen bis hin zu Selbsttheorien), Zusammenkünften und interdisziplinären künstlerischen Prozessen. Diese Spannweite an Ausdrucksformen eröffnet ihm einen Raum, in den er das Akustische, Visuelle und Poetische sowie das Materielle – als Entitäten, die in der Stó:lō-Kultur untrennbar sind – integrieren kann. In seinem Buch Hungry Listening: Resonant Theory for Indigenous Sound Studies (2020) untersucht er die Hörpraktiken von Indigenen Communities sowie von kolonialen Siedler*innen. Angesichts des Umstandes, dass die Beschäftigung mit indigener Musik oftmals vom persönlichen Standpunkt der Hörer*innen geleitet ist, plädiert Robinson in diesem Buch für «angemessene» Formen des Schreibens, die sensorische, affektive Hörerfahrungen vermitteln. Hungry Listening wurde mit dem Royal Musical Association/Cambridge University Press Monograph Prize sowie von der Native American and Indigenous Studies Association als Best First Book ausgezeichnet.

AURA SATZ ist eine Künstlerin, deren Werk Film- und Soundarbeiten sowie Performances und Skulpturen umfasst. Sie hat ihre Arbeiten national und international aufgeführt und ausgestellt, unter anderem an der Tate Modern, der Tate Britain und der Hayward Gallery, alle in London. 2016 war sie auf der Sydney Biennale vertreten und hat ihre Arbeiten im NTT InterCommunication Center Tokyo, im MoMA und auf der High Line Art in New York sowie bei der Sharjah Art Foundation in Dubai gezeigt. Sie hatte zahlreiche Einzelausstellungen, unter anderem im Hayward Gallery Projektraum in London, in der John Hansard Gallery in Southampton, bei Dallas Contemporary in Texas und am George Eastman Museum in Rochester. Aktuell arbeitet sie an ihrem ersten Spielfilm Preemptive Listening, mit dem sie auf den Sound von Sirenen und Notsignalen fokussiert. Sie unterrichtet am Royal College of Art in London.

STAS SHARIFULLIN, auch bekannt als HMOT, ist ein baschkirischer, in Sibirien geborener Musiker, Forscher und Künstler, der mit Sound und den gesellschaftspolitischen Kontexten des Schalls arbeitet. Seit 2018 lebt er in Moskau. Er ist Co-Kurator beim Label Klammklang und der Leiter des Fachbereichs Sound Art & Sound Studies an der Moskauer HSE Art & Design School. HMOT hat zahlreiche Auftragsarbeiten – von Performances über Installationen bis hin zu Interventionen – realisiert, unter anderem für die Manifesta, das CTM-Festival in Berlin, für Typography CCA, die Ural Industrial Biennale in Jekaterinburg, DK Zattere in Venedig, das Unsound Festival in Krakau und das Garage Museum in Moskau. Sharifullin ist zurzeit im Rahmen des Foundation AIR Programms von Pro Helvetia Gastkünstler im Lyseloth Musikerwohnhaus in Basel.

LI TAVOR & NICOLAS BUZZI

LI TAVOR ist ein*e Musiker*in, Komponist*in, Performer*in, Sound-Künstler*in und Architekt*in aus Zürich. Tavor’s Praxis verhandelt oftmals verschiedene Arten von möglichen Beziehungen innerhalb einer gebauten Umwelt, unter Rückgriff auf das Zusammenspiel von Sound, Raum und Wahrnehmung. Gemeinsam mit Alessandro Bosshard, Matthew van der Ploeg und Ani Vihervaara wurde Tavor vom Swiss Arts Council Pro Helvetia eingeladen, den Pavillon der Schweiz bei der 16. Architekturbiennale in Venedig zu kuratieren. Die dort gezeigte Ausstellung Svizzera 240: House Tour wurde mit dem Goldenen Löwen für den besten nationalen Beitrag ausgezeichnet. Tavors Arbeiten wurden zudem am Istituto Svizzero in Mailand, am Theater Gessnerallee in Zürich, an der NGV Melbourne, in der The Architecture Foundation in London, am Kunsthaus Bregenz sowie anlässlich der Sharjah Architecture Triennial und der São Paulo Architecture Biennial gezeigt.

NICOLAS BUZZI wurde in Bern geboren, lebt in Zürich und Frankfurt. Buzzi ist Komponist, Performer und Soundkünstler und arbeitet mit Musik, Installationen, diversen Medien und Performances, wobei sein Fokus auf der Aktivierung von Räumen, Verknüpfungen und der Ränder sowie auf der Perspektive und der Wahrnehmung liegt. Buzzis Arbeit wurde und wird an den Architekturbiennalen in Venedig und São Paulo, am HKW Berlin, am Istituto Svizzero in Mailand, bei NUP Tallinn, im Kunstmuseum Basel, in der NAC in Litauen, am Schauspielhaus Zürich, bei Taylor Macklin in Zürich, im Theater Basel und am ZKM in Karlsruhe realisiert beziehungsweise gezeigt. Buzzi unterrichtet an der HfMDK Frankfurt und ist der technische Leiter der dortigen elektronischen Werkstatt Selma.

HANNAH WEINBERGER ist Künstlerin und lebt in Basel. Ihre Praxis ist geprägt von Kollaborationen und Partizipation, wobei das Potential des Sounds und die Eigenschaften von Räumen genutzt werden, um gemeinschaftliche Zusammenkünfte zu fördern oder dem Publikum eine performative Rolle zuzuweisen. Sie hatte zahlreiche Einzelausstellungen, unter anderem am Centre d’Art Contemporain Genève, im Kunstverein Braunschweig, im Schinkel Pavillon in Berlin, im Kunstverein Harburger Bahnhof in Hamburg, im Kunsthaus Bregenz, im MIT List Center for Visual Arts in Cambridge (MA), am Swiss Institute in New York und in der Kunsthalle Basel. Ihre Arbeiten wurden zudem international ausgestellt, etwa im Kunsthaus Glarus, an der Ural Biennale in Jekaterinburg, der Copenhagen Contemporary, am Okayama Art Summit, an der Manifesta 11 und der Lyon Biennale gezeigt. Sie ist Dozentin am Institut Art Gender Natur HGK FHNW in Basel und Mitglied des Vorstands der Kunsthalle Basel.

Die ersten beiden Tage des Symposiums mit dem Titel Seeing Into the Heart of Things: Earth and Equality Within Indigenous and Ancestral Knowledges sind Präsentationen, Gesprächen, Vorträgen und Performances gewidmet, die sich mit solchen Fragen befassen und mögliche Antworten aufzeigen. Ausserdem wird es eine Buchpräsentation des CULTURESCAPES 2021 Readers, Amazonia: Anthology as Cosmology (Sternberg Press, 2021), mit den Herausgeberinnen Kateryna Botanova und Quinn Latimer geben. Am dritten und letzten Tag des Symposiums wird Davi Kopenawa, Schamane und Sprecher des Yanomami-Volkes, einen Keynote Vortrag halten. Seit mehr als drei Jahrzehnten führt er die Kampagne zur Sicherung der Landrechte der Yanomami in den brasilianischen Gebieten Roraima und Amazonas an. Er ist der Autor des viel beachteten Buches The Falling Sky: Words of a Yanomami Shaman, das er zusammen mit Bruce Albert geschrieben hat. Darin bemerkt Davi Kopenawa: «Wenn eure Augen den Spuren meiner Worte folgen, werdet ihr wissen, dass wir noch am Leben sind, denn Omamas Bild schützt uns. Dann wirst du denken können: 'Das sind schöne Worte'.» Die Sprache zeugt von der Koexistenz, vom gemeinsamen Leben selbst.

Wir hoffen, dass Sie uns in Basel besuchen werden.

(Änderungen vorbehalten)

TAG I – 3. November 2021
→ Online Link 3. November 2021

Teil 1

10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:15 Lesung: Quinn Latimer
10:30 Vortrag und Gespräch: Vandria Borari
11:15 Vortrag und Screening: Felipe Castelblanco im Gespräch mit Taita Hernando Chindoy & Ayenan Quinchoa
12:00 Mittagspause

Teil 2

14:00 Vortrag und Gespräch: Jeremy Narby
14:45 Vortrag und Screening: Annette Amberg präsentiert Video nas Aldeias
15:30 Vortrag: Katya García-Antón
16:00 Performance und Gespräch: Pauliina Feodoroff
16:30 Panel-Gespräch mit allen Beteiligten
17:00 Ende Tag 1

TAG II – 4. November 2021
→ Online Link 4. November 2021

Teil 3

10:00 Begrüssung: Chus Martínez und Quinn Latimer
10:15 Lesung: Quinn Latimer
10:30 Vortrag und Gespräch Biung Ismahasan
11:00 Vortrag und Gespräch: Ashfika Rahman
11:30 Vortrag und Gespräch: Pamela Rosenkranz
12:00 Mittagspause

Teil 4

14:00 Buchpräsentation von Amazonia: Anthology as Cosmology: Kateryna Botanova und Quinn Latimer
14:45 Vortrag und Screening: knowbotiq mit Ana Garzón Sabogal
15:30 Sound/Gedicht-Stück: Timimie Märak
16:15 Panel-Gespräch mit allen Beteiligten
17:00 Ende Tag 2

TAG III – 5. November 2021
→ Online Link 5. November 2021

Teil 5

15:30 Keynote Vortrag: Davi Kopenawa

ANNETTE AMBERG ist Künstlerin und Kuratorin. Sie ist Direktorin des Ausstellungsraums Coalmine - Raum für Fotografie in Winterthur, wo sie kürzlich Einzelprojekte von Jiajia Zhang, Lena Maria Thüring und James Bantone präsentierte. Sie ist Kuratorin der Ausstellung Vídeo nas Aldeias: An Audiovisual Movement by and Among Indigenous Peoples in Brazil, die im November 2021 im Coalmine eröffnen wird. Amberg hat in der Kunsthalle Basel, der Shedhalle Zürich und dem Strauhof in Zürich Ausstellungen kuratiert und organisiert. Ihre eigenen künstlerischen Arbeiten waren u.a. im Istituto Svizzero in Rom, im Kunsthaus Glarus und im Kunsthaus Aarau zu sehen. Sie war Gastdozentin an der ZHdK Zürich, HEAD Genf und der HGK Basel.

VANDRIA BORARI (Vandria Garcia Correa) ist eine brasilianische Künstlerin und Aktivistin aus dem Volk der Borari in Baixo Tapajós, Pará, Brasilien. Derzeit ist sie Gastkünstlerin im Atelier Mondial in Basel – in Zusammenarbeit mit CULTURESCAPES 2021 Amazonia und LabVerde in Manaus, Brasilien. Borari ist die erste Anwältin ihrer Region und hat einen Abschluss in Rechtswissenschaften der Federal University of Western Pará. Neben ihrer künstlerischen und aktivistischen Tätigkeit arbeitet sie als Produzentin und Kulturmanagerin und organisiert Ausstellungen in Kulturräumen im Dorf Alter do Chão, Pará und im Indigenen Kulturraum Wasú.

KATERYNA BOTANOVA ist Kuratorin, Kulturkritikerin und Autorin. Sie ist Co-Kuratorin von CULTURESCAPES in Basel. Zuvor war sie Direktorin des Foundation Center for Contemporary Art in Kiew, Ukraine und Gründerin und Chefredakteurin von Korydor, einer Online-Zeitschrift für zeitgenössische Kultur. Sie war als Ausbilderin und Beraterin für verschiedene Programme im Rahmen des Kulturprogramms der Östlichen Partnerschaft der EU tätig und befasste sich mit der Analyse der Kulturpolitik, der Kulturwirtschaft und dem Kulturjournalismus in der Region. Botanova ist Mitherausgeberin von Amazonia: Anthology as Cosmology (2021).

FELIPE CASTELBLANCO ist ein multidisziplinärer Künstler und Forscher, der an der Schnittstelle von partizipatorischen Praktiken, dem bewegten Bild und Media Art arbeitet. In seiner Praxis erforscht er institutionelle Formate und schafft Plattformen für den interepistemischen Dialog. Zu seinen jüngsten Ausstellungen gehören die Quebec Biennale 2019, Seasons of Media im ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe, und das Projekt Water Territories, das derzeit im Helmhaus Zürich zu sehen ist. Felipe schließt derzeit eine praxisorientierte Doktorarbeit ab, in der er Möglichkeiten der biokulturellen Friedensförderung durch partizipative Kunst und Medien in der kolumbianischen Pan- Amazonas-Region untersucht.

TAITA HERNANDO CHINDOY ist der Gouverneur des Indigenen Volkes Inga und ein sozialer Vertreter aus Aponte, Nariño, im Südwesten Kolumbiens. Er ist der Gründer der Initiative Wuasikamas (Hüter der Erde), die sich zu einer der erfolgreichsten Beispiele für den freiwilligen Ersatz illegaler Kulturen und sozialem Unternehmertum unter von Gewalt betroffenen indigenen Gemeinschaften in Südamerika entwickelt hat. Im Jahr 2015 wurde Taita (Häuptling) Chindoy mit dem Äquatorpreis des Entwicklungsprogramms der Vereinten Nationen (UNPD) für seinen Beitrag zu sozialen, wirtschaftlichen und ökologischen Fortschritten in der Region ausgezeichnet.

PAULIINA FEODOROFF ist Autorin und Regisseurin für Film und Theater. Zu ihren Projekten gehören CO2lonialNATION, das 2017 im Giron Sámi Teáhter präsentiert wurde, und der Film Non Profit (2007), für den sie 2007 mit dem SARV Critical Incentives Prize des finnischen Kritikerverbandes ausgezeichnet wurde. Ihre Familie stammt ursprünglich von der Kola-Halbinsel, und sie wuchs in einer Familie von Rentierzüchtern auf, den Skolt Sámi. Feodoroff kämpft für Wasser- und Landrechte sowie für den Erhalt der Rentierzucht in den alten Wäldern von Nellim im Osten von Sápmi/Nordfinnland. Feodoroff besuchte viele abgelegene samische Gemeinden in Russland, wo sie sich mit dem Problem der Landbesetzung durch Bergbauunternehmen befasste. Sie nahm auch an einer mehrjährigen Studie über Landbesetzungen teil, die in der von der Kritik hochgelobten Publikation Eastern Sámi Atlas (2011) – herausgegeben von Tero Mustonen und Kaisu Mustonen – mündete.

KATYA GARCÍA-ANTÓN ist Direktorin und Chefkuratorin des Office of Contemporary Art Norway in Oslo. Nach ihrer Ausbildung zur Biologin führte sie Feldforschungen im Amazonas und in Sierra Leone durch und wechselte dann mit einem MA des Courtauld Institute of Art in London in den Kunstbereich. Seitdem hat sie unter anderem im Museo Nacional Reina Sofía Madrid und im ICA London gearbeitet und war Direktorin des Centre d'Art Contemporain (CAC) in Genf. Sie war die leitende Kuratorin des Nordischen Pavillons der Biennale Venedig 2015 und kuratierte die beiden Spanischen Pavillons der Biennale São Paolo 2004 und der Biennale Venedig 2011. Im Jahr 2015 rief García-Antón das Critical Writing Ensembles ins Leben, eine fortlaufende Plattform, die die Forschung und Veröffentlichung von Kunstgeschichte jenseits des westlichen Kanons anregt (vor allem indigener Weltanschauungen). Sie war Chefkuratorin der Ausstellung Actions of Art and Solidarity, Oslo, und entwickelt derzeit ein Programm zur Aktivierung dekolonialen Denkens mit Kollegen aus afro-norwegischen Gemeinschaften in Norwegen. García-Antón legt besonderen Wert auf das Eintreten für und die Umsetzung von dekolonialen, transformativen und indigenisierenden Praktiken und Programmen und ist Mitglied der kuratorischen Gruppe, die an der historischen Umwandlung des Nordischen Pavillons in den Sámi-Pavillon für die La Biennale Arte 2022 arbeitet.

BIUNG ISMAHASAN ist Bunun. Die Bunun sind eine von sechzehn indigenen Nationen Taiwans. Er ist Kurator, Künstler und Forscher und Doktorand im Bereich Curating am Centre for Curatorial Studies der Universität Essex und schreibt seine Doktorarbeit mit dem Titel Indigenous Relational Space and Performance: Curating Together Towards Sovereignty in Taiwan and Beyond. Seine Forschung bezieht sich auf die zeitgenössische indigene kuratorische Praxis und Ästhetik, wobei er sich auf die zeitgenössische indigene Kunst Taiwans konzentriert. Ismahasan legt den Schwerpunkt auf Fragen der Partizipation, der Performativität und der Geschichtsschreibung der indigenen Kuration und des Ausstellungsdesigns. Zu seinen kuratorischen Projekten gehören Dispossessions: An Indigenous Performative Encounter – ein internationaler Austausch indigener Künstler aus Taiwan (2014 – 2019), und Between Dream in Àbadakone | Continuous Fire | Feu continuel der Künstlerin Eleng Luluan (Rukai) in der National Gallery of Canada für deren Reihe von Präsentationen zeitgenössischer internationaler indigener Kunst.

DAVI KOPENAWA geboren um 1955 in Marakana – in eine Yanomami-Gemeinschaft am oberen Toototobi-Fluss im brasilianischen Bundesstaat Roraima im nördlichen Amazonasgebiet. Als Schamane und Sprecher des Yanomami-Volkes hat er die langjährige internationale Kampagne zur Sicherung der Landrechte der Yanomami angeführt, für die er in Brasilien und in der ganzen Welt Anerkennung gefunden hat. Im Jahr 1985 begann er den Kampf um die Anerkennung des riesigen von den Yanomami bewohnten Gebiets in den brasilianischen Bundesstaaten Roraima und Amazonas. 1989 wurde er in Anerkennung seines Kampfes für den Erhalt des Regenwaldes mit dem UN Global 500 Award ausgezeichnet. Im Jahr 2009 erhielt er den Bartolome de las Casas Award in Spanien; 2019 wurde er zusammen mit der Hutukara Yanomami Association (Brasilien) mit dem Right Livelihood Award ausgezeichnet. Er ist der Autor des vielbeachteten Buches The Falling Sky: Words of a Yanomami Shaman, das er zusammen mit Bruce Albert (2013) geschrieben hat.

KNOWBOTIQ (Yvonne Wilhelm und Christian Huebler) ist ein Künstlerduo, das in Zürich, Berlin und Lissabon lebt und arbeitet. Sie erforschen geontologische Verstrickungen in neo- und postkolonialen Kontexten. Techno-ästhetische und techno-politische Aspekte prägen ihre somatischen und emphatischen künstlerischen Praktiken und Formate. knowbotiq befragen und inszenieren molekulare, psychotrope und derivative Kräfte und konzentrieren sich derzeit auf Narrationen über Quecksilber in der Wechselbeziehung zwischen Kolumbien und der Schweiz. Kürzlich veröffentlichte knowbotiq zusammen mit Nina Bandi Swiss Psychotropic Gold (2020), das unsichtbare Wege von Affekten und Gewalt im Rohstoffhandel nachzeichnet. Sie haben eine Professur im MFA-Programm an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) inne.

ANA GARZÓN SABOGAL ist Wirtschaftsingenieurin an der Universidad Distrital Francisco José de Caldas in Bogotá und arbeitet mit kollaborativen Lernnetzwerken, im kulturellen Projektmanagement, Aktivismus und freier Kultur in ganz Kolumbien. In den letzten Jahren war sie an Projekten wie Radio Vallena (2014 Gewinner des Crea Digital Award für transmediale Inhalte) und Territorios beteiligt, einer Studiengruppe und einem kollaborativen Redaktionsprojekt des Arts Collaboratory Network, das sich mit spezifischen Kontexten, Geschichten und autonomen politischen Kräften auseinandersetzt. In den letzten neun Jahren war sie in der Fundación Más Arte Más Acción als Projektkoordinatorin (2013-2016) und als Direktorin (2017-2021) tätig. Derzeit arbeitet sie an der Publikation Chocó as a School (Titel in Arbeit) für dieselbe Organisation.

QUINN LATIMER ist eine in Kalifornien geborene Dichterin, Kritikerin und Herausgeberin, die sich in ihrer Arbeit häufig mit feministischen Ökonomien des Schreibens, Lesens und der Produktion von Bewegtbildern auseinandersetzt. Bücher von ihr sind u.a. Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017), Sarah Lucas: Describe This Distance (2013), Film as a Form of Writing: Quinn Latimer Talks to Akram Zaatari (2013), und Rumored Animals (2012). Ihre Texte erscheinen unter anderem in Artforum, The Paris Review und Texte zur Kunst. Sie war Chefredakteurin der Publikationen zur documenta 14 in Athen und Kassel, für die sie The documenta 14 Reader and South as a State of Mind: The documenta 14 Journal (2015-17) mit herausgegeben hat. Zuletzt war sie Mitherausgeberin Amazonia: Anthology as Cosmology (2021). Sie ist Dozentin im Masterstudiengang des Instituts Art Gender Natur an der HGK FHNW in Basel.

CHUS MARTÍNEZ ist Leiterin des Instituts Art Gender Natur HGK FHNW in Basel. Sie war Expeditionsleiterin von The Current, einem von der TBA21-Akademie initiierten Projekt (2018–2020) und ist für 2021–2022 künstlerische Leiterin des Ocean Space der TBA21- Akademie in Venedig. Sie hat kürzlich die Publikation The Wild Book of Inventions (2020) herausgegeben und zusammen mit Julieta Aranda und Markus Reymann e-Flux Journal #112 (Oktober 2020). Sie ist die Autorin des Erzählbandes Corona Tales: Let Life Happen to You (2020).

TIMIMIE MÄRAK ist samische Dichterin, Performerin und feministisch-queere Aktivistin. In ihrer poetischen Praxis verarbeitet Timimie die verschiedenen Facetten ihrer Identität, ihre Wünsche und Frustrationen. In Gesprächen und Vorträgen zeigt Timimie auf, wie normative Machtsysteme und Beziehungen verschiedene Völker benachteiligen. Ursprünglich aus Jokkmokk stammend, engagiert sie sich für Umweltfragen und war im Giron Sámi Teáhter in Kiruna aktiv. Timimie hat viele Poetry-Slam-Wettbewerbe gewonnen und 2015 drehte SVT eine Dokumentarserie über Timimie und ihre Schwester Maxida, die Sápmi Sisters.

JEREMY NARBY ist ein in der Schweiz lebender Schriftsteller, Aktivist und Anthropologe. Seit 1989 arbeitet er für die NGO Nouvelle Planète, die sich für Initiativen von und für die indigenen Völker Amazoniens einsetzt; Grundbucheintragungen, zweisprachige Erziehung, nachhaltige Ressourcennutzung, Erhaltung des Pflanzenwissens und Umweltüberwachung von Erdölunternehmen. Er ist der Autor mehrerer Bücher über schamanische Erkenntnistheorie und westliche Wissenssysteme, darunter Intelligence in Nature (2006) und The Cosmic Serpent: DNA and the Origins of Knowledge (1999) sowie die Sammlung übersetzter Essays Shamans Through Time (gemeinsam mit Francis Huxley herausgegeben, 2001). Sein jüngstes Buch ist Plant Teachers: Ayahuasca, Tobacco, and the Pursuit of Knowledge – gemeinsam verfasst mit Rafael Chanchari Pizuri (2021).

ASHFIKA RAHMAN ist eine Künstlerin aus Dhaka, Bangladesch, deren Arbeit sich zwischen bildender Kunst und dokumentarischen Praktiken bewegt. Sie rekontextualisiert häufig historische Archive unter Verwendung zeitgenössischer Medien, wobei die Fotografie das vorherrschende Medium ist, mit dem sie systemische soziale Fragen untersucht. Sie arbeitet häufig mit Randgruppen in Bangladesch und konzentriert sich dabei auf die Gewalt gegen ethnische Gruppen in den abgelegenen Bergen und Randgebieten. Sie hat einen Abschluss in Fotografie von Pathshala, Dhaka, Bangladesch (2016), und von der Hochschule Hannover, Deutschland (2017). Im Jahr 2018 wurde sie von der World Press Photo Foundation für die Joop Swart Masterclass ausgewählt. Sie war Finalistin für den Samdani Art Award, den IPA Award und den Leica Oskar Barnack Award.

PAMELA ROSENKRANZ ist eine in Zürich lebende Künstlerin. Ihre konzeptuelle Praxis umfasst Skulptur, Video, Installation und Malerei, wobei sie oft das subjektive Element in der Wahrnehmung eines Kunstwerks hinterfragt und den Fokus des Betrachters auf die materiellen, biochemischen und neurologischen Determinanten des menschlichen Verhaltens lenkt. Sie zweifelt an einer Weltanschauung, die den Menschen in den Mittelpunkt des natürlichen und materiellen Universums stellt, und kritisiert den Anthropozentrismus, indem sie die konsumorientierten Versuche untersucht, welche die Natur zu domestizieren versuchen. Jüngste Arbeiten befassen sich mit den Ökosystemen des Amazonas sowie mit dem titelgebenden Technologieunternehmen. Ihre Ausstellung Healer ist derzeit bei Sprüth Magers in London zu sehen. Rosenkranz vertrat die Schweiz auf der 55. Biennale Venedig im Jahr 2015.

(Änderungen vorbehalten)

TAG I – 17. März 2021
→ Zoom Link

MARIA THEREZA ALVES (Brasilien) hat an zahlreichen internationalen Ausstellungen teilgenommen, unter anderem an der Sydney Biennale, der Berlin Biennale 8, der Sharjah Biennale (2017) und der dOCUMENTA (13). Einzelausstellungen wurden beispielsweise im MUAC in Mexiko-Stadt und im CAAC in Sevilla gezeigt. Alves ist Preisträgerin des Vera-List-Preises für Kunst und Politik 2016 – 2018. 1978 präsentierte Alves als Mitglied des International Indian Treaty Council die Menschenrechtsverletzungen an der indigenen Bevölkerung Brasiliens der UN-Menschenrechtskommission in Genf. Sie war 1987 eines der Gründungsmitglieder der Grünen Partei von Sao Paulo. Neuere Bücher sind Recipes for Survival und Thieves and Murderers in Naples: A Brief History on Families, Colonization, Immense Wealth, Land Theft, Art and the Valle de Xico Community Museum in Mexico.

MYRIAM AMROUN ist Kulturschaffende und Kuratorin und lebt in Algier. Sie ist die künstlerische Leiterin von rhizome, das sie 2017 zusammen mit Khaled Bouzidi gegründet hat. Inspiriert vom rhizomatischen Denkmodell, das Gilles Deleuze und Félix Guattari in den 1970erJahren entwickelten, unterstützt diese Organisation seit ihrer Gründung Künstler*innen, Forscher*innen und Kulturschaffende, während sie sich als nicht-physischer Raum unaufhörlich weiterentwickelt.

URSULA BIEMANN ist Künstler*in, Autor*in, Video-Essayist*in und lebt in Zürich. Ihre künstlerische Praxis ist forschungsbasiert und beinhaltet Feldforschung an abgelegenen Orten, wo sie die politischen Ökologien von Wäldern, Öl und Wasser untersucht. Ihre Videoinstallationen werden weltweit in Museen und auf internationalen Kunstbiennalen ausgestellt. 2020 wurde ihr Einzelausstellung Indigenous Knowledge_Cosmological Fictions im MAMAC in Nizza gezeigt und sie veröffentlichte kürzlich die Online-Monografie Becoming Earth zu ihren ökologischen Arbeiten. Biemann wurde 2009 mit dem Prix Meret Oppenheim ausgezeichnet, dem Schweizer Grand Prix Kunst.

REGINA BITTNER (PhD) studierte Kulturtheorie und Kunstgeschichte an der Universität Leipzig und promovierte am Institut für Europäische Ethnologie der Humboldt Universität Berlin. Als Leiterin der Akademie der Stiftung Bauhaus Dessau kuratiert und lehrt sie die postgradualen und interdisziplinären Programme zur transkulturellen Moderne in der Design- und Architekturforschung. Zu ihren jüngsten kuratorischen Projekten zählt Versuchsstätte Bauhaus. Die Sammlung, die Dauerausstellung im Bauhaus Museum Dessau. Ihre Forschungsinteressen verbinden kulturanthropologische Ansätze in der Architektur- und Designforschung mit Fragen der Dekolonisierung, des kritischen Erbes und dessen Vermittlung in der Lehre und kuratorischen Praxis. Sie hat kürzlich Gestaltungsproben. Gespräche zum Bauhaus Unterricht (2019) zusammen mit Katja Klaus herausgegeben.

BARBARA CASAVECCHIA ist Autorin, Kuratorin und Pädagogin. Seit 2011 lehrt sie in der Abteilung für Visuelle Kulturen und kuratorische Praktiken an der Brera-Akademie in Mailand. Derzeit kuratiert sie das Forschungsprojekt The Current III (The Mediterraneans: Thus Waves Come in Pairs (After Etel Adnan)), TBA21–Academy.

ANJA KIRSCHNER ist eine Künstlerin, die in Berlin und London lebt und arbeitet. In ihren Filmen und Videoinstallationen beschäftigt sie sich mit den phantasmatischen und materiellen Anatomien medialer Praktiken und deren Rolle bei der Produktion von Wissen und Körpern. Sie war Preisträgerin des Jarman Award (2011) und hat international ausgestellt. Derzeit ist sie Doktorandin am Royal College of Art in London und arbeitet über Immersion aus queer-feministischen und dekolonialen Perspektiven.

KAPWANI KIWANGA ist eine französisch-kanadische Künstlerin, die in Paris lebt und arbeitet. Ihre Arbeit spürt den allgegenwärtigen Auswirkungen von Machtasymmetrien nach, indem sie historische Narrative in einen Dialog mit zeitgenössischen Realitäten, dem Archiv und den Möglichkeiten von morgen bringt. Sie wurde kürzlich den Prix Marcel Duchamp (2020) ausgezeichnet. Aktuell sind zwei Einzelausstellungen zu sehen: Plot im Haus der Kunst in München und Kapwani Kiwanga. new work im Kunstinstituut Melly.

QUINN LATIMER ist eine in Kalifornien geborene Schriftstellerin und Redakteurin, die sich in ihrer Arbeit häufig mit feministischen Ökonomien des Schreibens, Lesens und der Produktion bewegter Bilder auseinandersetzt. Zu ihren Büchern zählt Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017) und sie war Chefredakteurin der Publikationen für die documenta 14. Sie ist Dozentin im Master-Studiengang des Institut Kunst HGK FHNW in Basel.

MARIA LIND ist Kuratorin, Autorin und Dozentin aus Stockholm. Derzeit ist sie als Kulturberaterin an der schwedischen Botschaft in Moskau tätig. Sie war unter anderem Direktorin der Stockholmer Tensta konsthall (2011 – 2018) und 2019 war Co-Kuratorin der Art Encounters Biennale in Timisoara. Seit den frühen 1990er_Jahren unterrichtet sie, unter anderem als Professorin für künstlerische Forschung an der Kunstakademie in Oslo (2015 – 2018). Derzeit ist sie Dozentin am CuratorLab von Konstfack. Sie hat zahlreiche Beiträge in Zeitungen, Zeitschriften, Katalogen und anderen Publikationen veröffentlicht. 2009 erhielt sie den Walter Hopps Award for Curatorial Achievement. 2010 wurde Selected Maria Lind Writing bei Sternberg Press veröffentlicht, und Seven Years: The Rematerialization Art 2011 to 2017 erschien 2019.

CHUS MARTÍNEZ ist Leiterin des Institut Kunst HGK FHNW in Basel. Sie war Expeditionsleiterin des von der TBA21–Academy initiierten Projekts The Current (2018 – 2020) und ist 2021 und 2022 künstlerische Leiterin des Ocean Space der TBA21–Academy in Venedig. Sie hat kürzlich die Publikation The Wild Book of Inventions (2020) herausgegeben und zusammen mit Julieta Aranda und Markus Reymann e-Flux Journal #112 (Oktober 2020).

OTOBONG NKANGA (geboren in Kano) ist eine in Antwerpen lebende Künstlerin, deren multidisziplinäre Praxis sich auf Zeichnung, Fotografie, Installation, Video und Performance erstreckt und sich auf die Wechselbeziehung zwischen Umwelt, Architektur und Geschichte konzentriert. Nkanga untersucht den Begriff «Land» als geologische und diskursive Formation, wobei sie oft von den Systemen und Verfahren ausgeht, mit denen Rohstoffe lokal abgebaut, technologisch verarbeitet und global zirkuliert werden. Von dort aus folgt sie den Fäden, die Erze, materielle Kultur und die Konstruktion von Begehren mit der Umverteilung von Macht und Wissen verflechten. Zahlreiche internationalen Einzelausstellungen von Otobong Nkanga wurden beispielsweise im Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden (2020), Martin-Gropius-Bau, Berlin (2020), und im Middlesbrough Institute of Modern Art (MIMA), Middlesbrough (2020) gezeigt; und sie nahm an internationalen Gruppenausstellungen teil, etwas der 58. Biennale Venedig (2019), der Sharjah Biennale 14 (2019) und der Documenta 14 (2018). Sie hat zahlreiche Preise erhalten, unter anderem den Peter-Weiss-Preis (2019), den Inaugural Lise Wilhelmsen Art Award (2019) und den Special Mention Award der 58. Biennale Venedig (2019).

LYDIA OURAHMANE (geboren in Saïda) ist eine multidisziplinäre Künstlerin, die in Algier lebt und arbeitet. Ihre forschungsbasierte Praxis verhandelt wichtige geopolitische Themen unserer Zeit und erprobt die Durchlässigkeit von Grenzen und den Zustand des Dazwischenseins. Ihre Arbeit der letzten Jahre baut auf den komplexen Geschichten des Kolonialismus, der Migration und der Abstraktion auf und ist eine poetische Erkundung der Gegenwart, des Persönlichen und des Politischen. Lydia Ourahmane schloss ihr Studium an der Goldsmiths University of London 2014 ab und ist international an Ausstellungen beteiligt: Solar Cry, Wattis Institute of Contemporary Art, San Francisco; Homeless Souls, Louisiana Museum of Modern Art; Crude, Jameel Art Center, Dubai; Manifesta 12, Palermo; Jaou, Tunis; Droit du sang, Kunstverein München; 2018 New Museum Triennial: Songs for Sabotage, New Museum, New York; The You In Us, Chisenhale Gallery, London. Ihre erste Einzelausstellung in der Schweiz in der Kunsthalle Basel läuft bis 16. Mai 2021 und sie ist Teil der 34. São Paulo Bienal.

FILIPA RAMOS (geboren in Lissabon) ist Autorin und Kuratorin. Sie interessiert sich dafür, wie Kunst sich mit Ökologie auseinandersetzt und die Beziehungen zwischen Menschen, Nicht-Menschen und Maschinen fördert. Sie ist Kuratorin von Art Basel Film und ist Gründungskuratorin von Vdrome. Sie hat zahlreiche Vorträge in Europa, Asien und den USA gehalten. Sie ist Dozentin im Master-Programm des Institut Kunst HGK FHNW, wo sie die Seminare zu Art & Nature leitet. Sie ist Co-Kuratorin von Bodies of Water, der 13. Shanghai Biennale (2020 – 2021). Ihre Publikation The Artist as Ecologist wird 2022 bei Lund Humphries erscheinen.

PETER SPILLMANN ist Kulturproduzent, Künstler und Ausstellungsmacher. Er forscht und lehrt im Masterstudiengang Art in Public Sphere an der Hochschule Luzern – Design & Kunst. In über 20 Jahren enger Zusammenarbeit mit Marion von Osten entstanden Projekte wie fallingwild (2019), Viet Nam Diskurs Stockholm (2016), CPKC – Center for Postcolonial Knowledge and Culture (2008), This Was Tomorrow (2008), Be Creative! (2002) oder Labor k3000 (1998). Derzeit wird eine Ausstellung und Veranstaltungsreihe mit dem Titel Cohabitation – A Manifesto for Solidarity of Animals and Humans in Urban Space entwickelt, die ab Juni 2021 in Zusammenarbeit mit ARCH+ in Berlin stattfinden wird.

KERSTIN STAKEMEIER, Professorin für Kunsttheorie an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg, arbeitet in den Bereichen Bildung, Schreiben und Ausstellungsformate. Derzeit arbeitet sie mit Anselm Franke an der Ausstellung Illiberal Arts (Haus der Kulturen der Welt Berlin ab September 2021) und mit Bill Dietz an der Publikation Universal Receptivity (März 2021). Sie hat mit M. Ammer, E. Birkenstock, J. Nachtigall und S. Weber an Class Languages (2017/2018) gearbeitet und zusammen mit Marina Vishmidt Reproducing Autonomy (2016) geschrieben. Die englische Ausgabe von Entgrenzter Formalismus. Verfahren einer antimodernen Ästhetik (bbooks, 2017) erscheint 2022.

YVONNE VOLKART (Dr.) lehrt Kunst- und Medientheorie an der Zürcher Hochschule der Künste und an der Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW in Basel, wo sie das Nationalfonds-Forschungsprojekt Ecodata – Ecomedia – Ecoesthetics leitete. Sie ist Autorin der Monographie Technologies of Care. Techno-Eco-Feminist Readings of Art + Science. Sie war ein Kernmitglied des cyberfeministischen Netzwerks Old Boys Network OBN und Kuratorin an der Shedhalle Zürich.

Wenn Ungerechtigkeit auf der Schaffung von Körpern beruht, die ohne Bedeutung sind, dann ist die Performance – und all ihre verschiedenartig verkörperten Praktiken – das Medium, in dem – auf entscheidende Weise – oft neue Formen von Gerechtigkeit, Raum und Kritik entstanden sind. Präsenz, Nähe, Stimme, Bewegung und performative Beziehungen (sowohl online als auch offline) sind die Werkzeuge, mit denen viele zeitgenössische Künstler*innen auf nie dagewesene Weise erforschen, wie man einen gleichberechtigten Raum für unsere stets regulierten, dumpf abgegrenzten Körper schaffen kann. Dieses Symposium dient diesen Praktiken und untersucht, wie Performance zu dem Mittel geworden ist, mit dem so viele Künstler*innen politische Systeme reflektieren und anprangern, die in ihrem Kern Ungleichheit, Gewalt und binäre Beziehungen fördern.

Performance ist nach wie vor die Art und Weise, wie viele Künstler*innen ihren Dissens in den Kunst- und Kulturkontext einbringen, indem sie die Fürsorge und das Recht zurückfordern, das Kollektiv als Körper, als Organismus anzusprechen, der sich synchronisieren und gegen den Schmerz handeln kann. Performance kann eine Erforschung der universalistischen Rolle der Zuschauer*innen ermöglichen, die die Moderne versprochen hat und die unsere kulturellen Institutionen verstärken. Ausserdem kommt der Performance historisch gesehen eine Schlüsselkraft bei der radikalen Umgestaltung unseres – politischen, sozialen, kulturellen, biologischen, technologischen – Erbes zu, denn der Körper in Bewegung kann uns herausfordern, Verantwortung für soziale Ungerechtigkeit und die Bedingungen zu übernehmen, die sie ermöglichen. Schliesslich ist die Bewegung oder blockierte Bewegung des Körpers (singulär und kollektiv) eine Erinnerung an das physische Leiden, das dem Fortschritt, so wie ihn eine kapitalistische Gesellschaft versteht, zugrunde liegt.

Am Institut Kunst HGK FHNW erforscht Womxn in Motion Performance in all ihren Formen: von Tanz, Poesie, Musik, Klang und bewegten Bildern über partizipatorische soziale Aktionen und Institutionskritik bis hin zu Schreiben, Lesen und Oralität. Das Symposium wird sowohl Performances als auch kritische und dialogische Reflexionen der eingeladenen Künstler*innen und Denker*innen darüber beinhalten, wie sich ihre Arbeit und ihre Vorstellungen davon, was Performance und ihre einzigartige Poetik bezeichnen und eines Tages werden könnten, entwickelt haben. Die Denkerinnen Sadie Plant und Barbara Casavecchia werden Vorträge gegen die Spekulation und für eine verkörperte und verstrickte Kunst und Politik halten, während die Poetin und Übersetzerin Mayra A. Rodríguez Castro zu Fragment, Fortbestehen und Archiv vortragen wird. Performances von Isabel Lewis, Dorota Gawęda und Eglė Kulbokaitė, Pan Daijing, Lynne Kouassi und Martina-Sofie Wildberger werden die Politik der Begegnung und Beteiligung, die Technologien der Sprache, des Klangs und der Stille sowie die Ästhetik der Katharsis auf unterschiedliche Weise beleuchten. Ein neuer Film von Kat Anderson zeigt audiovisuelle Notizen zu Unterdrückung, Black Liberation und White Imagination. Bhanu Kapil wird uns eine neue Serie von Notizen über Scham und Performance senden. Schliesslich werden Vorträge, Gespräche und Screenings von Julieta Aranda, Ingela Ihrman, Pauline Curnier Jardin, Tessa Mars und Sonia Fernández Pan Performances erforschen, die von künstlerischen Praktiken und Leben, die der Bild- und Weltgestaltung gewidmet sind, beansprucht werden.

Womxn in Motion ist das vierte Master-Symposium am Institut Kunst im Rahmen einer Serie, die sich neuen Formen und Ideen künstlerischer Praxis, Gender, Sprache und sozialer Gerechtigkeit widmet. Ein wesentliches Ziel dieser Seminarreihe ist es seit ihrem Beginn im Jahr 2018, über die Themen zu sprechen, die zur Debatte stehen, das heisst über zeitgenössische künstlerische Praktiken und das singuläre und soziale Leben, das solche Praktiken verändern und durch sie verändert werden könnte – in Sprachen der Klarheit, der Virtuosität, des Respekts, der Intelligenz und der Liebe. Unser Ziel ist es, genau die Werte zu praktizieren, die das Entstehen einer anderen und gerechteren künstlerischen und sozialen Ordnung bewirken können.

(Änderungen vorbehalten)

TAG I – 7. Oktober 2020
→ Livestream

Teil 1
10:00 Begrüssung: Quinn Latimer und Chus Martínez
10:15 Notes on Shame von Bhanu Kapil (gelesen von Quinn Latimer)
10:30 Performance von Isabel Lewis
11:00 Sonia Fernández Pan im Gespräch mit Isabel Lewis
11:30 Performance und Gespräch von Lynne Kouassi

Teil 2
14:00 Lesung von Quinn Latimer
14:15 Dig yourself out. Return to me, Performance von Dorota Gawęda und Eglė Kulbokaitė
15:15 Against Speculation, Vortrag von Sadie Plant
16:15 Diskussionsrunde mit allen Teilnehmer*innen
17:00 Bad Man Nuh (2020), Filmscreening von Kat Anderson (kein Livestream)
17:45 Ende Tag I

TAG II – 8. Oktober 2020
→ Livestream

Teil 3
10:00 Begrüssung: Quinn Latimer und Chus Martínez
10:15 Lesung von Quinn Latimer
10.30 On dancing and studying together: a collective research on queer and transfeminist archives in Milan, Vortrag von Barbara Casavecchia
11:00 Gespräch mit Tessa Mars
11.30 Ausgeblutet, Bled Out, Qu’Un Sang, Videoscreening von Pauline Curnier Jardin
11:45 Sonia Fernández Pan im Gespräch mit Pauline Curnier Jardin

Teil 4
14:00 Lesung von Quinn Latimer
14:15 Scream, Performance von Martina-Sofie Wildberger
15:00 Hyena Days, Vortrag von Mayra Rodríguez Castro
15:30 The Fig, Performance von Ingela Ihrman und Gespräch mit Sonia Fernández Pan
16:00 Gespräch mit Pan Daijing und Sonia Fernández Pan
16:45 Diskussionsrunde mit allen Teilnehmer*innen
17:30 Ende Tag II

TAG III – 9. Oktober 2020 
(nur Master-Studierende)
Hochhaus Aula D 1.04

10:00 – 12:30 Workshop Teil 1 mit Julieta Aranda
Mittagspause
14:00 – 16:30 Workshop Teil 2 mit Julieta Aranda

KAT ANDERSON ist eine britische Künstlerin, Filmemacherin und Kuratorin, deren Kunst- und Forschungsrprojekt Episodes of Horror sich des Genres Horror bedient, um Darstellungen von psychischer Krankheit und Trauma zu diskutieren, wie sie von Schwarzen Körpern in den Medien erlebt oder auf sie projiziert werden.

JULIETA ARANDA st eine in Mexiko City geborene Künstlerin, die in Berlin und New York lebt und arbeitet. In ihrer Praxis komponiert sie sensorische Begegnungen mit der Natur der Zeit und spekulativer Literatur, wobei sie die sich verändernde Beziehung zwischen Mensch und Erde durch die Linse der Technologie, der künstlichen Intelligenz, der Raumfahrt und wissenschaftlicher Hypothesen beobachtet.

BARBARA CASAVECCHIA ist Schriftstellerin, Kuratorin und Pädagogin. Seit 2011 lehrt sie in der Abteilung für Visuelle Kulturen und kuratorische Praktiken an der Brera-Akademie in Mailand. Derzeit ist sie als Mentorin des Ocean Fellowship im Ocean Space, Venedig, für die TBA21–Academy tätig.

MAYRA A. RODRÍGUEZ CASTRO ist Dichterin und Übersetzerin. Sie ist die Herausgeberin von Audre Lorde: Dream of Europe (2020), einem Buch mit unveröffentlichten Seminaren und Interviews, die Audre Lorde zwischen 1984 und 1992 in Deutschland und Europa gehalten hat.

PAN DAIJING ist eine in Berlin lebende Künstlerin und Komponistin, die Klang und Performance kanalisiert, um Geschichten zu erzählen, die sich über verschiedene Disziplinen und Formen hinweg erstrecken und dabei vielfältige philosophische und filmische Bezüge, rohe Emotionen und ein beeindruckendes ästhetisches und poetisches Empfinden miteinander verbinden. Pan Daijings Werke und Performances werden international gezeigt. Zu den jüngsten Arbeiten zählen Dead Time Blue im Martin Gropius Bau, Berlin (2020) und Tissues and The Absent Hour in der Tate Modern, London (2019).

DOROTA GAWĘDA UND EGLĖ KULBOKAITĖ sind ein Künstlerduo mit Sitz in Basel. Ihre Arbeit umfasst Performance, Fotografie, Installation, Parfüm, Skulptur und Video. Sie erkunden Unvollständigkeiten und sprachliche Unfassbarkeit, sowohl in ihrer Performance als auch in den skulpturalen Objekten und Umgebungen, die sie vorschlagen, und bieten Wege an, unsere komplexe Beziehung zur Natur neu zu verhandeln.

INGELA IHRMAN bewegt sich in ihrer Kunstpraxis zwischen Performancekunst, Installation, bewegtem Bild und Schrift. Kostüme und inszenierte Situationen sind wiederkehrende Elemente in ihren Präsentationen, die Kreaturen zum Leben erwecken, also gebären oder blühen lassen. Ihr Werk ist geprägt von taktilen Handwerkstechniken, Hobby und poetischem Absurdismus, wobei sie Anleihen beim Laientheater wie auch bei der Wissenschaft macht. Sie erforscht einschränkende Normen, Begriffe wie Einsamkeit und Zugehörigkeit und die Beziehungen zwischen verschiedenen Lebensformen.

PAULINE CURNIER JARDIN ist eine Künstlerin, Filmemacherin und Performerin, die in Amsterdam und Berlin lebt und arbeitet. Sie konzentriert sich häufig auf erweiterte Erzählformen: Opern, eine ethnographische Peep-Show, dunkle Musikfilme, Installationen und Spektakel. 2007 war sie Mitbegründerin des Dada-femme-Rezitals The Vraoums.

BHANU KAPIL ist eine britische Dichterin, deren Praxis Performance, improvisierte Werke, Installation und Rituale umfasst. Sie lehrt Poesie, Fiktion, Performance und hybride Schreibseminare und ist Autorin zahlreicher Bücher, darunter Ban en Banlieue (2016) und Schizophrene (2011).

LYNNE KOUASSI ist eine in Basel lebende Künstlerin, deren Arbeiten die ausgrenzenden Auswirkungen struktureller Dominanz und anderer normativer Ordnungen sowie die historischen und sozialen Bedingungen erforschen, die die Beziehung zwischen Körper, Geschlecht, Wissen und Macht prägen. Ihre Praxis befasst sich mit Strategien zur Flucht aus der Kontrolle oder mit Fragen der Migration.

QUINN LATIMER ist eine in Kalifornien geborene Schriftstellerin und Redakteurin, die sich in ihrer Arbeit häufig mit feministischen Ökonomien des Schreibens, Lesens und der Produktion bewegter Bilder auseinandersetzt. Zu ihren Büchern zählt Like a Woman: Essays, Readings, Poems (2017), und sie war Chefredakteurin der Publikationen für die documenta 14. Sie ist Dozentin im Masterstudiengang des Institut Kunst HGK FHNW in Basel.

ISABEL LEWIS ist eine in Berlin lebende Künstlerin, die in Santo Domingo, Dominikanische Republik, geboren wurde. Ausgebildet in Literaturkritik, Tanz und Philosophie, umfasst ihre Arbeit unzählige Formen, von Lecture Performances über Workshops, Musiksitzungen, Partys, moderierte Anlässe bis hin zu gross angelegten künstlerisch-programmatischen Arbeiten wie dem Institute for Embodied Creative Practices und anderen öffentlichen Aktivierungsreihen.

TESSA MARS ist eine haitianische bildende Künstlerin, die in Port-au-Prince lebt und arbeitet. Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt, und sie hat kürzlich im Rahmen von Visionary Aponte am Rubenstein Art Center der Duke University residiert, als Teil von Visionary Aponte: Art & Black Freedom, in der Power Plant Gallery, Durham, NC.

CHUS MARTÍNEZ ist Leiterin des Institut Kunst HGK FHNW in Basel. Sie ist ebenfalls Expeditionsleiterin von The Current, einem von TBA21–Academy initiierten Projekt (2018 – 2020), und Autorin von Club Univers (2017).

SONIA FERNÁNDEZ PAN ist eine (un)abhängige Kuratorin, die durch Kunst forscht und schreibt. Seit 2011 ist sie Autorin von esnorquel, einem persönlichen Projekt in Form eines Online-Archivs mit Podcasts, Texten und schriftlichen Gesprächen. Derzeit ist sie Autorin und Produzentin der Postcastserien Feminism Under Corona und Corona Under the Ocean des Institut Kunst und der TBA21–Academy.

SADIE PLANT ist eine britische Philosophin, Kulturtheoretikerin und Autorin mit Sitz in Biel/Bienne. In ihren Forschungen und Schriften bietet sie eine alternative, feministische Darstellung der Geschichte und Natur der digitalen Technologie und des Einflusses psychoaktiver Substanzen auf die westliche Kultur. Zu ihren Büchern gehören Zeros and Ones: Digital Women and the New Technoculture (1997) und Writing on Drugs (2001).

MARTINA-SOFIE WILDBERGER ist eine Performance-Künstlerin, die sich mit der Macht der Sprache, alternativen Kommunikationsformen und dem Verhältnis von Schriftlichkeit und Mündlichkeit beschäftigt. Im Zentrum ihrer Praxis stehen der Klang, die Artikulation von Wörtern und die im Sprechakt konstituierten Bedeutungen sowie die poetische Qualität von Sprache.

Wenn Ungerechtigkeit auf der Schaffung von Körpern beruht, die ohne Bedeutung sind, dann ist die Performance – und all ihre verschiedenartig verkörperten Praktiken – das Medium, in dem – auf entscheidende Weise – oft neue Formen von Gerechtigkeit, Raum und Kritik entstanden sind. Präsenz, Nähe, Stimme, Bewegung und performative Beziehungen (sowohl online als auch offline) sind die Werkzeuge, mit denen viele zeitgenössische Künstler*innen auf nie dagewesene Weise erforschen, wie man einen gleichberechtigten Raum für unsere stets regulierten, dumpf abgegrenzten Körper schaffen kann. Dieses Symposium dient diesen Praktiken und untersucht, wie Performance zu dem Mittel geworden ist, mit dem so viele Künstler*innen politische Systeme reflektieren und anprangern, die in ihrem Kern Ungleichheit, Gewalt und binäre Beziehungen fördern.

Performance ist nach wie vor die Art und Weise, wie viele Künstler*innen ihren Dissens in den Kunst- und Kulturkontext einbringen, indem sie die Fürsorge und das Recht zurückfordern, das Kollektiv als Körper, als Organismus anzusprechen, der sich synchronisieren und gegen den Schmerz handeln kann. Performance kann eine Erforschung der universalistischen Rolle der Zuschauer*innen ermöglichen, die die Moderne versprochen hat und die unsere kulturellen Institutionen verstärken. Ausserdem kommt der Performance historisch gesehen eine Schlüsselkraft bei der radikalen Umgestaltung unseres – politischen, sozialen, kulturellen, biologischen, technologischen – Erbes zu, denn der Körper in Bewegung kann uns herausfordern, Verantwortung für soziale Ungerechtigkeit und die Bedingungen zu übernehmen, die sie ermöglichen. Schliesslich ist die Bewegung oder blockierte Bewegung des Körpers (singulär und kollektiv) eine Erinnerung an das physische Leiden, das dem Fortschritt, so wie ihn eine kapitalistische Gesellschaft versteht, zugrunde liegt.

Am Institut Kunst HGK FHNW erforscht Womxn in Motion Performance in all ihren Formen: von Tanz, Poesie, Musik, Klang und bewegten Bildern über partizipatorische soziale Aktionen und Institutionskritik bis hin zu Schreiben, Lesen und Oralität. Das Symposium wird sowohl Performances als auch kritische und dialogische Reflexionen der eingeladenen Künstler*innen und Denker*innen darüber beinhalten, wie sich ihre Arbeit und ihre Vorstellungen davon, was Performance und ihre einzigartige Poetik bezeichnen und eines Tages werden könnten, entwickelt haben. Die Denkerinnen Sadie Plant und Barbara Casavecchia werden Vorträge gegen die Spekulation und für eine verkörperte und verstrickte Kunst und Politik halten, während die Performances von Isabel Lewis, Dorota Gawęda und Eglė Kulbokaitė, Pan Daijing, Lynne Kouassi und Martina-Sofie Wildberger die Politik der Begegnung und Beteiligung, die Technologien der Sprache, des Klangs und der Stille sowie die Ästhetik der Katharsis auf unterschiedliche Weise beleuchten. Ein neuer Film von Kat Anderson zeigt audiovisuelle Notizen zu Unterdrückung, Black Liberation und White Imagination, während Bhanu Kapil eine neue Serie von Notizen über Scham und Performance senden und Mayra A. Rodríguez Castro aus neuen Werken lesen wird. Schliesslich werden Vorträge, Gespräche und Filmvorführungen von Ingela Ihrman, Pauline Curnier Jardin, Tessa Mars und Sonia Fernández Pan die Performances erforschen, die von künstlerischen Praktiken und Leben, die der Bild- und Weltgestaltung gewidmet sind, beansprucht werden.

Womxn in Motion ist das vierte Master-Symposium am Institut Kunst im Rahmen einer Serie, die sich neuen Formen und Ideen künstlerischer Praxis, Gender, Sprache und sozialer Gerechtigkeit widmet. Ein wesentliches Ziel dieser Seminarreihe ist es seit ihrem Beginn im Jahr 2018, über die Themen zu sprechen, die zur Debatte stehen, das heisst über zeitgenössische künstlerische Praktiken und das singuläre und soziale Leben, das solche Praktiken verändern und durch sie verändert werden könnte – in Sprachen der Klarheit, der Virtuosität, des Respekts, der Intelligenz und der Liebe. Unser Ziel ist es, genau die Werte zu praktizieren, die das Entstehen einer anderen und gerechteren künstlerischen und sozialen Ordnung bewirken können.

(Änderungen vorbehalten)

TAG I – 7. Oktober 2020
(Live-Stream sowie begrenzte Anzahl öffentliche Plätze auf Anmeldung)
Hochhaus Aula D 1.04

Teil 1
10:00 Begrüssung: Quinn Latimer und Chus Martínez
10:15 Notes on Shame von Bhanu Kapil (gelesen von Quinn Latimer)
10:30 Performance von Isabel Lewis
11:00 Sonia Fernández Pan im Gespräch mit Isabel Lewis
11:30 Performance von Lynne Kouassi

Teil 2
14:00 Lesung von Quinn Latimer
14:15 Dig yourself out. Return to me, Performance von Dorota Gawęda und Eglė Kulbokaitė
15:15 Against Speculation, Vortrag von Sadie Plant
16:15 Diskussionsrunde mit allen Teilnehmer*innen
17:00 Bad Man Nuh (2020), Filmscreening von Kat Anderson
18:00 Ende Tag I

TAG II – 8. Oktober 2020
(Live-Stream sowie begrenzte Anzahl öffentliche Plätze auf Anmeldung)
Hochhaus Aula D 1.04

Teil 3
10:00 Begrüssung: Quinn Latimer und Chus Martínez
10:15 Notes on Shame von Bhanu Kapil (gelesen von Quinn Latimer)
10.30 On dancing and studying together: a collective research on queer and transfeminist archives in Milan, Vortrag von Barbara Casavecchia
11:00 Gespräch mit Julieta Aranda
11.30 Ausgeblutet, Bled Out, Qu’Un Sang, Videoscreening von Pauline Curnier Jardin
12:00 Sonia Fernández Pan im Gespräch mit Pauline Curnier Jardin

Teil 4
14:00 Lesung von Quinn Latimer
14:15 Scream, Performance von Martina-Sofie Wildberger
15:00 Hyena Days, Lesung von Mayra Rodríguez Castro
15:30 The Fig, Performance von Ingela Ihrman und Gespräch mit Sonia Fernández Pan
16:00 Performance von Pan Daijing
16:30 Diskussionsrunde mit allen Teilnehmer*innen
17:30 Ende Tag II

TAG III – 9. Oktober 2020
(nur Master-Studierende)
Hochhaus Aula D 1.04

10:00 – 12:30 Workshop Teil 1 mit Julieta Aranda
Mittagspause
14:00 – 16:30 Workshop Teil 2 mit Julieta Aranda

«Frauen, die versuchen, Männern gleich zu sein, fehlt der Ehrgeiz.» Dieses berüchtigte Zitat, das unter anderem Marilyn Monroe zugeschrieben wird, wurde Jahre später von der feministischen Wissenschaftlerin Luce Irigaray in ihrer Kritik an den oft eingeschränkten und ungebundenen Bestrebungen nach Gleichheit und Gerechtigkeit paraphrasiert. Doch wie ist diese Aussage zu verstehen? Schlichtweg: Männer können und werden nicht länger das Mass sozialer Gerechtigkeit sein. Von diesem komplexen Argument ausgehend befassen sich die Beiträge des Symposiums mit dem Verhältnis zwischen Feminismus und der Koexistenz aller Lebewesen. Women on Earth und alle Beteiligten, befassen sich mit der Frage, auf welche Art und Weise das Thema Umweltbewusstsein in den Lehrplänen der Women’s- und Gender-Studies einerseits durch die Felder und Ideen des Ökofeminismus, aber auch durch andere Bereiche geprägt, unterschiedlich repräsentiert oder eben nicht repräsentiert wurde. Tatsächlich wird das Symposium über die Verstrickung von Gender- und Umweltfragen hinausgehen und weitere Fäden des verworrenen Knotens des Ökozids umfassen: den extraktiven Kapitalismus, die Bewegungen und Kämpfe indigener Kulturen und den ökologischen Rassismus in all seinen Iterationen.

Das Thema der Natur – und alles, was von hegemonialen Diskursen und Politiken eingebürgert oder als unnatürlich eingestuft wird – ist für Genderfragen von besonderer Bedeutung, ebenso wie die Wissenschaft per se. Aber ein wissenschaftlicher und technischer Ansatz für die Klimakrise kann nicht präzise sein, ohne zu berücksichtigen, wie geschlechterbasierte, rassistische und wirtschaftliche Gewalt aufkommende Ökozide fördert, genauso wenig ohne anzuerkennen, dass Frauen – oft in Armut lebende und indigene Frauen – als erste dieser Gewalt ausgesetzt sind und überwältigend an vorderster Front stehen. Welche Art von politischer und kultureller Transformation muss stattfinden, um diese Verflechtungen offensichtlich und zu wichtigen Anliegen zu machen? Wie kann dieser Gewalt in all ihren vielfältigen Formen begegnet werden?

Feministinnen und globale Feminismen haben immer ein kritisches Interesse an der Wissenschaft geteilt, da dies seit langem das Feld ist, auf dem die Unterwerfung von Frauen – und allen «Anderen» der Welt – teilweise beruht. Die angebliche Unterlegenheit von Frauen – physisch, intellektuell, emotional, sensorisch – ist seit dem 16. und 17. Jahrhundert, zumindest im Westen, ausgiebig theoretisch behandelt worden und war Gegenstand intensiver wissenschaftlicher Diskurse, insbesondere in der sich neben aufkommenden Imperialismen entwickelnden Moderne. Die Kritik an einer patriarchalischen Pseudowissenschaft ist in den Feminismus eingebaut, liegt quasi in der Natur der Sache – und was ist das? Indem wir Fragen einer weiblichen «Natur» (was auch immer damit gemeint ist) und die Frage der menschlichen «Natur» (eine weitere brennende Frage) ansprechen und beides dekonstruieren, stellen wir nicht nur die Frage nach der Macht des Wissens – wer entscheidet was und in welchen situativen oder diskursiven Kontexten – sondern auch epistemologische Fragen: Wie gehen wir mit der Objektivität, mit bestimmten Vorstellungen von Distanz oder Neutralität, mit der Inflation von sogenannter «wissenschaftlichen Erkenntnis» um? Was können wir gegen die sich im Laufe der Geschichte und ihrer Machtkämpfe wiederkehrende und wiederholende strukturelle Ausgrenzung der immergleichen «Anderen» und sich hartnäckig haltende Prozesse des Othering unternehmen?

Ein weiteres Ergebnis der Zusammenarbeit zwischen dem Institut Kunst und dem Instituto Susch – einem Gemeinschaftsprojekt mit Grażyna Kulczyk und der Art Stations Foundation CH – ist die Podcastreihe Promise no Promises!, die aus der ersten gleichnamigen öffentlichen Veranstaltung im Oktober 2018 in Basel hervorgegangen ist. Der Podcast und die Symposien, auf denen er basiert, zielen darauf ab, verschiedene Lehrmethoden, Materialien und Ideen zu entwickeln, um normierte und traditionelle Lehrpläne über Vorstellungen von Gender, Kultur, Macht und Sprache herauszufordern, aber auch einen Bereich zu schaffen, in dem Austausch, Diskussion und eine neue Vorstellungskraft gefördert werden. Der Begriff der Stimme ist von entscheidender Bedeutung für die historische Entwicklung des Frauenbewusstseins und für die Position und Wirkung von Frauen in der Gesellschaft. Wir brauchen einen Chor! Der Podcast kann hier gehört werden.

Das Symposium Women in Space ist eine Kooperation mit dem Instituto Susch/Art Stations Foundation CH.

Der Soziologe Pierre Bourdieu sagte einmal: «Soziologie und Kunst machen keine guten Bettgenoss*innen.» Seine Argumentationgründete auf dem Spannungsverhältnis zwischen der Kunstwelt, die den Fokus auf das individuelle kreative Genie legt, und der Soziologie, die Phänomene mit sozialen Kräften erklären will. Zieht man die große Bandbreite der Kunstinstitutionen und -räume in Betracht, die in den vergangenen Jahren von Kuratorinnen geleitet wurden, entsteht der Eindruck, diese Kunstschaffende würden meist die (soziologische) Seite Bourdieus einnehmen. Die von ihnen ins Leben gerufenen Kunsträume legen den Fokus für gewöhnlich weniger auf die Bedeutung von Grösse, Expansion oder demografische Medienwirkung, als vielmehr auf die Notwendigkeit von Programmen, die eine qualitativeInteraktion zwischen unterschiedlichen sozialen Bereichen durch Ausstellungen, Vermittlungsprogramme und die kontinuierliche Präsenz der Gemeinschaft der Kunstschaffenden anstossen. Aber die Frage bleibt: Entspricht dies dem Anliegen der in der Kunstwelt tätigen Frauen, oder ist dieser Wunsch eher das Ergebnis eines harten Anpassungsprozesses an die gegebenen Umstände? 

Der Übergang vom 20. zum 21. Jahrhundert war gekennzeichnet durch die Energie der in den Kunstinstitutionen vorherrschenden Diskurse. Diese Energie der Erneuerung, die später die Programme der grossen Institutionen prägen sollte, hatte ihren Ursprung jedochin kleinen und mittleren Initiativen. Die Frage der Repräsentation und ihrer Zukunft in den westlichen Demokratien fand ihre Antwort im vermehrten Auftreten von Philosoph*innen sowie unterschiedlichen kuratorischen und künstlerischen Akteur*innen, die Zugang zu Ideen, Archiven, Initiativen einforderten… die Vergangenheit wurde zum Plural, aus der Geschichte wurden die konkurrierenden Geschichten der vielen, und die Geschichtsfrage wurde in die Probleme des imperialen Kolonialismus und dessen postkolonialem Erbe zerlegt. Das Archiv war die erste Tür, die es einzutreten galt: Das Dokument – noch immer weiss (und männlich) – blieb die Schwelle, die überschritten werden musste, um Zugang zu den Materialien und künstlerischen Stimmen verschiedener Territorien und Historien zu erlangen… Restitution,die der Hinterfragung rassistischer Hierarchien in den unzähligen Kunstwelten vorausging, begann greifbar und ansatzweise real zu werden.

Dennoch waren die Erneuerungsenergien beherrscht von Enthusiasmus, von ökonomischemund sozialem Wachstum, welche die Kunst in nie gekannter Weise dazu befähigten, den Bereich des Sozialen durch andersartige Konzepte von Ausbildung, Partizipation, sozialem Reichtum und Zugang auf seine Vergangenheit hin zu öffnen. Die Kunstwelt war von sich selbst eingenommen, und viele europäische Politiker*innen begrüssten diese Tendenz anfangs als äusserst effektive Möglichkeit, die Union zu aktivieren und die alten Träume des Kontinents mit einer neuen politischen Organisationsform in Einklang zu bringen. Europa, ein Kontinent mit einer dubiosen wirtschaftlichen Zukunft, wandte sich wieder einmal seinem Erbe zu, in der Hoffnung, dort neue Zukunftsperspektiven für die eigenen Kulturvorstellungen zu finden. Diese Liaison mit der Kunst war jedoch von kurzer Dauer, stellten Haushaltskürzungen und ein rapider Re-Nationalisierungsprozess doch für die Zukunft des Internationalismus und Pluralismus eine ernstzunehmende Gefahr dar. Dies wiederum hatte Auswirkungen auf die Sprachen und Methoden, mit denen Kunst und ihre vielzähligen institutionellen Spielarten an die Öffentlichkeit vermittelt wurden. Wirkten sie sich auch weniger drastisch auf die Quantität der kunstschaffenden, professionellen, schreibenden Frauen in der Kunstwelt aus, so doch auf deren öffentliche Relevanz.

Vorstellungen von Intimität und einem kleinen Massstab sowie das Bedürfnis nach einem sozialen Raum, in dem man sich authentisch und solidarisch ausdrücken kann – Ideen und Ambitionen, die aufgrund desvorherrschenden Genderings von Care- und emotionaler Arbeit sowie anderen untergeordneten Tätigkeiten oftmals Frauen zugeschrieben werden – mögen als unvereinbar mit den grösseren, lauteren und vermeintlich «ambitionierteren» Forderungen erscheinen, die Frauen (laut den feministischen Narrativen des Mainstreams, welche sich auf die Einnahme bestimmter konventioneller Machtstrukturen konzentrieren) eigentlich geltend machen sollten.

Das Anliegen (um dieser Konvention genüge zu tun) von «Women in Space» ist es, während der zwei auf dem Campus des Institut Kunst in Basel verbrachten Tage, mit einer Gruppe von Kunstschaffenden in Dialog über diese Fragen und Begriffe zu treten. Wie das Vorgängerprojekt «Promise No Promises!» verzichtet auch die Dramaturgie dieses Symposiums auf die üblichen Power-Point-Präsentationen, um stattdessen echte Debatten und Konversationen anzuregen, die aus zugleich performativen und improvisierten Impulsen heraus entstehen. Darüber hinaus wird es Lesungen zu den verschiedenen behandelten Themen geben, um sowohl historische als auch weit gestreute Positionen einzubeziehen. Die Stimmen und Denkweisen der Beteiligten zeugen von ihren jeweiligen Erfahrungen als Frauen im Weltall – einem Raum, der zugleich gewiss, ungewiss und rivalisierend ist und der sich immerfort ausdehnt und zusammenzieht. Sie reflektieren ausserdem die jüngsten Entwicklungen und erhofften Zukunftsszenarios ihrer jeweiligen Felder, indem sie dem Publikum eine Reihe sich verändernder Bilder jenes «Raumes» vermitteln, den Frauen heute im Kunstsystem einnehmen.    

Einige Fragen (für den Anfang):

Gibt es einen Anfang, der ohne Fragen auskommt? Wir behaupten: nein. Und doch: Soll es um Gender, die Frauenfrage oder Transgender-Angelegenheiten gehen? Soll Männlichkeit auch ein Thema sein? Ähneln diese allgemeinen Fragen denen, die uns bei der Arbeit begleiten – innerhalb (und ausserhalb) der Künste? Sind praktische Fragen, die unsere Denkweise auf diesem Gebiet neu definieren, relevant? Sind alte und neue feministische Konzepte – die aus den unterschiedlichen Wellen des Feminismus hervorgegangen sind – adäquat, um das gesamte Fragen-Spektrum abzudecken, das wir vielleicht stellen müssen? Handelt es sich bei diesen Fragen zugleich um eine Übung, die wir uns wünschen, und um ein Verhaltensprotokoll, an das wir uns halten, um die «equality health» /z. Dt. Gesundheits-Gleichstellung) bestimmter (professioneller und persönlicher) Situationen auf die Probe zu stellen? Glaubst du, du könntest all diesen Problemen aus dem Weg gehen? Hast du Angst zu sprechen? Findest du den Klang deiner eigenen Stimme angenehm, oder lässt er dich zusammenzucken? Wieviel Geld willst du verdienen? Denkst du, dass deine Laufbahn in Zukunft weiterhin so steil ansteigt? Fürchtest du dich vor deinen eigenen Begierden? Ist es besser, stumm zu bleiben, oder deine Ambitionen preiszugeben – selbst dann, wenn dir die richtigen Worte dazu immer wieder fehlen?

Ist ästhetischer Geschmack deiner Meinung nach ein genderspezifisches Konzept? War Gender die erste erfundene Geschichte, die du je schriebst? Wie stellt sich dir das Bild von Macht dar? Wie hast du gelernt, zum ersten Mal von Macht (nicht) Gebrauch zu machen? Ist Kunstgeschichte ein Haus, in dem du leben kannst? Wer oder was lehrte dich, eine Frau (und / oder etwas anderes) zu sein? Angenommen du würdest sterben und als Kunstwerk oder -gattung wiedergeboren werden, welches Werk oder welche Gattung wären das? Worin besteht deine grösste Extravaganz? Worin besteht deine grösste Extravaganz als Frau? Worin besteht deine grösste Extravaganz als Künstlerin oder Künstler? Unterscheiden diese sich? Vor ein paar Jahren meinte ein bekannter schweizer Kurator, dass es in der Schweiz keine guten Künstlerinnen gäbe. Die jungen Künstler, die mit ihm tranken, lachten allesamt und stimmten ihm zu.

Glaubst du, dass Gossip eine Form des Aktivismus sein kann? Kannst du dich an die Zeit erinnern, bevor dir (dein) Gender bewusst wurde? Glaubst du, dass das grammatische Geschlecht (der Genus) die Sprache beeinflusst hat, auf der das Selbstverständnis deiner Person und deiner Arbeit beruht? Welches Bild siehst du vor deinem geistigen Auge, wenn du den folgenden Titel hörst: «Der Uterus des Jungen»? Glaubst du, dass Lügen die Sprache der Misogynie ist? Findest du die Sprache des Feminismus absurd oder inspirierend oder ein bisschen von beidem? Worin besteht deine grösste Angst? Hat diese Angst mit deinem Gender zu tun?

«Ein feministisches Leben zu führen bedeutet, eine Feministin bzw. ein Feminist bei der Arbeit zu sein» schreibt Sara Ahmed. Wenn Kunst die eigene Arbeit ist, wie kannst du dann als Künstlerin Feministin bzw. als Künstler Feminist sein? Wie wirkt sich die feministische Praxis auf die eigene künstlerische Praxis aus? Denkst du, dass die Art und Weise, wie Menschen Feminismus im Studio verkörpern oder praktizieren, sich von der Art und Weise unterscheidet, wie Menschen das in einer (Kunst-) Institution tun? Wie würdest du idealerweise gerne arbeiten? Siehst du dich während der Arbeit als arbeitende Frau oder nur («nur») als Arbeiterin? Redest du beim Abendessen oder beim Frühstück manchmal über Geschlechterpolitik? Handelt es sich deiner Meinung nach bei dem gelegentlichen Aufgreifen feministischer Angelegenheiten (eines in erster Linie westlichen und weissen Feminismus der Oberklasse) durch die Kunstwelt um eine Form der Normalisierung und der institutionellen Misogynie?

Was denkst du, inwiefern sich deine Erfolgs- (oder Misserfolgs-) Chancen ändern würden, wenn du ein Mann wärst? Denkst du, dein Leben wäre anders verlaufen, wenn dir ein männlicher Name gegeben worden wäre? Welche Eigenschaft magst du an Männern am liebsten? Welche Eigenschaft magst du an Frauen am liebsten? Welche Eigenschaft magst du an einem Kunstwerk am liebsten? Haben sich deine Vorstellungen von Gender und Macht mit dem Fortschreiten deiner Arbeit gewandelt?

Sara Ahmed schrieb ebenfalls: «Als Feministin zu arbeiten bedeutet, zu versuchen, die Organisationen, die uns anstellen – oder beherbergen – zu verändern. Diese eigentlich offensichtliche Tatsache ist in gewisser Hinsicht sehr aufschlussreich. Versuchen wir die Wände eines Hauses zu erschüttern, dann erschüttern wir auch das Fundament unserer eigenen Existenz.» Was aber, wenn es sich bei diesem Haus um das Studio handelt? Auf welche Weise hat der Feminismus deiner Meinung nach das Fundament des Kunstschaffens und die Existenz als Künstlerin bzw. als Künstler in der Welt erschüttert?

Wie schlagen sich deiner Meinung nach Konzepte sozialer Gerechtigkeit in künstlerischen Praktiken nieder? Denkst du, dass ein Junge oder ein Mann in dir steckt? Führt er manchmal deine Arbeit aus? Bist du von fiktionalen Charakteren beeinflusst? Wenn wir in der Lage wären, unser Geschlecht auf natürliche Weise zu ändern – wozu manche im Ozean lebende Arten in der Lage sind – welchen Einfluss hätte das auf das Sozialverhalten der Menschen? Wie würdest du die weibliche Stimme in drei Adjektiven beschreiben? Ist Sound deiner Meinung nach grundsätzlich genderspezifisch?

Die schriftstellerische Arbeit von Frauen wird oft als «konfessionell» bezeichnet; glaubst du, dass auch bildende Kunst konfessionell sein kann? Oder nur, wenn sie von einer Frau stammt?

Künstlerinnen und Künstler beschäftigen sich weitgehend mit jenen Fragen, die von Seiten der Technologieindustrien als zweitrangig betrachtet werden: Welche Rolle spielen Frauen bei der Entwicklung von Technologie, und wie hat sich der technologische Wandel auf die Rolle von Frauen und die Vorstellungen von Gender ausgewirkt? Auf welche Weise bieten Technologien die Möglichkeiten für neue soziale Beziehungen und wie sollen wir diese Möglichkeiten bewerten?

Eine Reihe von Expertinnen und Experten – lokale und internationale – werden die Relevanz von Gender, Ethnizität, Klasse und Sexualität für das heutige Verständnis von Technologie und die Entwicklung neuer technologischer Werkzeuge präsentieren und diskutieren. Wir betrachten den Kunstkontext und den Bildungskontext der Hochschule als idealen Weg, um diese Fragen einem breiteren Publikum vorzustellen, das daran interessiert ist, wie Kunst und Kultur dazu beitragen können, einen unkritischen Umgang mit Medien zu neutralisieren, ihrer Präsenz im Alltag und ihren Beitrag zu einer gerechteren sozialen Zukunft zu debattieren.

Medientechnologien sind ein entscheidender Teil unserer Zukunft, und weder ein Antagonismus noch ein Feiern lässt uns besser verstehen, was sie sind und vor allem, wie wir um sie herum handeln. Kunst hat eine wegweisende Rolle bei der Diskussion und Infragestellung der Medienpolitik gespielt. Da Medien, Medienwerkzeuge und Technologie gegenständliche Sprachen sind, ist es nicht verwunderlich, dass Kunst und Künstler zu den ersten Gemeinschaften gehörten, die auf die neuen Formen von Geschlechter- und Herkunftsbeziehungen achteten, die sie bieten und mit denen sie uns konfrontieren.

Das Symposium soll Ideen, aber auch praktische Beispiele, Bilder, Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern, sowie Best Practices vorstellen, die sich mit einem anderen Umgang mit den Medien und einer neuen Benutzersprache befassen.

→ PDF des gesamten Programmes (Englisch)

«Desktop Exhibition / Examples of Gender & Technology»

«The Rubens Engine»

«What do we mean with technology? A short introduction into feminist thinking about technology, astonishing practices and the technological performance of being female.»

«Artist Talk»

«The Company one keeps—laptops, lapdogs, lapdances»

«Escaping the Digital Unease»

«I'm not here right now. The Manning-Lamo -Chatlogs Reading»

«Is Technology Sexist? On Media, Post-humanity and the Role of Gender in the development of a new Media Practice.»